Albums of the month / October
本月唱片推薦
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 4.7（滿分 5）
這是近年來最令我著迷的錄音之一，它所蘊含的寧靜感，悄然啟迪了我的深邃沉思。錄音曲目是拉脱維亞作曲家Pēteris Vasks(1946 – )的第二號小提琴協奏曲。獨奏是德國小提琴家Antje Weithaas，樂團伴奏是瑞士的伯恩室內樂團Camerata Bern。Pēteris Vasks是一位低音提琴家也是當今活躍的主要作曲家之一；這首第二號小提琴協奏曲是受英國小提琴家Hugo Ticciati委託創作，於2020年完成；距離他的第一號小提琴協奏曲首演已將近25年(由Gidon Kremer於1997年首演)。這兩首作品都以「光」這個物理現象為靈感，第一號名為《遙遠的光芒》 “Distant Light”，第二號是《暮光》 “In Evening Light”。這首第二號協奏曲雖然以大自然現象為標題，然而，它並不是一首風景描繪或是對大自然詩意讚美的樂曲，Pēteris Vasks想要表達的是人與大自然的關係、生命的意義以及對現實生活經歷的反映。樂曲中融入了拉脫維亞古老的民間音樂元素、宗教信仰、大自然意象以及深刻烙印著作曲家成長歲月中，歷經恐懼、審查與絕望的心靈軌跡。我猜想也許是Pēteris Vasks本身也是一位優秀低音提琴家的緣故，他一直偏愛弦樂器，我總覺得他的弦樂作品既道地又富有感染力，他始終能從弦樂器的演奏語法和最適切的音域中提煉出縈繞心頭的優美和聲與音樂張力。這首長達35分鐘的作品分成三個樂章，樂章之間沒有停止，彼此流暢銜接，獨奏小提琴在 1st & 2nd 樂章以及 2nd & 3rd 樂章之間各自穿插著華彩樂段(Candeza)。Antje Weithaas 謙遜而低調的演奏風格自然地流露出她的精湛琴藝和情感表達。她不僅能輕鬆駕馭冗長的三音與四音和弦（Triple/Quadruple Stops）進行，面對難度極高的十度音程更是游刃有餘。在展現高難度技巧之餘，她亦極為注重音色與樂句的細膩雕琢，使音樂兼具優美線條與深刻內涵。此外，採無指揮編制的伯恩室內樂團展現了高水準的默契，為她提供了最完美的合奏支撐。這實在是一個不容錯過的好錄音。
Label: CAvi Music
Hi-Res lossless, 24-bit, 96 kHz, FLAC/Stereo
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 4.6（滿分 5）
這個錄音－“Forgotten Melodies”是目前旅居柏林的俄國鋼琴家馬洛費耶夫(Alexander Malofeev, 2001 - )於2025年在Sony Classical錄製的首張專輯。本專輯精心匯集了葛令卡 (Glinka)、麥特納 (Medtner)、拉赫曼尼諾夫 (Rachmaninoff) 與葛拉茲諾夫 (Glazunov) 四位俄裔作曲家的經典作品。這四位大師雖因時代洪流移居異鄉，卻在作品中留下了相同的靈魂烙印。Malofeev認為，貫穿這些作品的潛在情感正是深刻的「鄉愁」。值得一提的是，年僅 24 歲的 Malofeev 早在 2014 年（時值 13 歲），便已斬獲柴可夫斯基國際鋼琴大賽青年組桂冠。
Malofeev除了精準的演奏技巧之外，最吸引我的是他所表達的情感深度和音樂成熟度，在他的年齡層中實屬罕見。例如第一首葛令卡: 《雲雀》，這是由巴拉基列夫改編自葛令卡的12首連篇歌曲集《告別聖彼得堡》中的第十首，也是這歌曲集裡面最受歡迎的一首。當我的音響傳遞出那充滿深情的琴音時，立刻引起我的注意力。Malofeev將樂曲的強弱層次與音色蛻變表現得淋漓盡致，那動人心弦的詮釋，使我感覺他的音樂很有「故事性」。
此外，這整張專輯的核心曲目是梅特納(Nikolai Medtner)的第一組《被遺忘的旋律》Forgotten Melodies I, Op. 38，專輯的標題也以此曲命名。這是一部兼具高度藝術價值與技術挑戰的傑作。全曲共 8 首曲子（包含奏鳴曲、舞曲與短歌）。梅特納將第一首《回憶奏鳴曲》（Sonata reminiscenza）的主題作為整個作品的核心動機，並在後續的舞曲和歌曲中不斷變奏穿插，最後在第八首《尾聲》（Alla reminiscenza）再次呼應，使整部組曲具有極強的整體性。
Malofeev對於此曲長線條句法（Phrasing）的掌控、內斂情感的鋪陳以及在複雜對位中提煉出核心旋律的能力，都令人信服！難怪他獲選為英國權威音樂雜誌Gramophone 「2026年最佳青年藝術家」的榮譽。
Label: Sony Classical
Hi-Res lossless, 24-bit, 96 kHz, FLAC/Stereo/Gramophone Award
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 4.7（滿分 5）
這是一個相當難得的錄音，錄音裡的演奏家匯集了來自美國7個州９個頂尖樂團的26位才華洋溢的音樂家，可說是眾星雲集。他們平常都各忙於自己的演出行程，要挪出時間湊在一起排練和錄音，還真不容易。這個錄音採用DSD 數位錄音，錄音地點在加州著名的Skywalker Sound的寬敞錄音室。收錄曲目除了最後一首是John Williams 為銅管樂合奏寫的作品外，其餘16首都是文藝復興時期義大利作曲家喬凡尼·嘉布里耶利(Giovanni Gabrieli）的銅管樂作品。嘉布里耶利的銅管樂與器樂作品在音樂史上具有劃時代的里程碑意義，這些銅管樂作品，不僅是一座讓銅管樂器從室外進入室內藝術殿堂的橋樑，他更利用空間、強弱、音色指定這三大革命性概念，為後世的巴洛克管弦樂編制奠定基礎。時至今日，他的作品依然是全球頂尖交響樂團銅管聲部、室內樂團必練的經典試金石。這26位名星級演奏家不只是演奏技巧精湛而已，他們更懂得如何用現代銅管樂器來詮釋文藝復興時期的音樂。說到這裡，就讓我來舉幾個例子：
1. 音量與音色的平衡：嘉布里耶利時代的銅管樂器管壁較薄、號口（Bell）較小、吹嘴結構也不同，音色遠比現代銅管樂器柔和、內斂，且極具人聲的吟唱感。而現代的小號和長號的聲音投射能力（Projection）和音量都較強，極易吹得過於沉重或刺耳，因而破壞教堂音樂的莊嚴感。然而，我在這個錄音裡並沒有聽到一般美國銅管樂給人那種追求輝煌、明亮且具有強烈穿透力的聲音；而是演奏家們意識到必須刻意克制音量（Less is more），追求一種內在凝聚（Internalized）而非向外轟炸的音色。他們的共識就是「聲部之間的融合度遠比個人技巧的展現還重要」。
2. 吐音與發音的風格：文藝復興時期的器樂演奏講求「如說話般（Parlando）」的自然發音，如果用現代銅管樂慣用的清晰斷奏（Staccato）或過於鋒利的吐音，音樂會變得機械化。因此，我注意到這些演奏家的吐音比較柔軟(soft articulation），以避免侵略性過強的發音。音符之間的連接始終保持圓潤且富有彈性。
3. 現代調性與纯律的挑戰：文藝復興時期流行的是纯律，這讓某些特定和弦（特別是三和弦）具有現代平均律無法比擬的純淨與共鳴。麻煩的是，現代銅管樂器是基於平均律設計的，若要吹出嘉布里耶利那種神聖的純淨和聲，演奏家必須具備極高的聽音能力，隨時動態微調音高（例如將大三和弦的第三音稍微降低），否則和弦聽起來會比較浮躁、不和諧。
毫無疑問，以上我所舉的例子對這些演奏家來說，根本不是問題。他們不但做得很到位，而且游刃有餘。這真的是一場無與倫比的銅管美聲饗宴。
Label: Oberlin Music
Original Recording Format: DSD 64/Stereo
Albums of the month / September
本月唱片推薦
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這是一張備受推崇的發燒級管風琴演奏專輯，它長年榮登TAS 發燒榜單。錄音由Dave A. Wilson親自操刀，母帶後製是Bruce Leek。管風琴家是James Welch，他擁有史丹佛大學音樂藝術博士，自1977年起擔任加州大學Santa Barbara分校管風琴演奏家，並致力於管風琴的研究與推廣，足跡遍及美國、歐洲和南美洲。這張唱片為什麼多年來廣受熱議？我們可以從音樂及錄音兩方面來看；在音樂方面，除了有最受歡迎的巴赫《d小調觸技曲與賦格》等名曲外，管風琴家James Welch 以精湛的管風琴演奏技巧，展現出清晰流暢的樂句處理與成熟的音樂詮釋，完美駕馭複音音樂的層次與宏偉的空間音響。
在錄音方面，它有幾個特色可以展現音響系統的終極表現，例如當你播放這張LP時，可以從以下我所列出的幾個特色來檢視系統的表現情況。
1. 低頻的延伸與控制力：低頻是否低沉飽滿，是否能清晰地再現這些最低音符的音準和驚人的衝擊力？而不是渾濁、臃腫的轟隆聲。
2. 暫態反應和清晰的發聲點：是否能聽到每一根音管的發聲點？尤其是在複雜的多聲部對位和快速踏板演奏中，而不是只聽到混亂且厚重的「音牆」。
3. 音場與空間深度：這張唱片的錄音地點位於美國西雅圖聖馬可教堂。錄音師Dave A. Wilson捕捉到管風琴座落於教堂廣闊空間的立體高度感和深及後牆的實體感。
4. 聲音的衰減與共鳴：這一點可以檢視你的音響系統與聆聽空間聲學特性的密切關係。管風琴有豐富的泛音，因此在教堂聆聽管風琴演奏時，每一個聲音的衰減應該是平滑地融入實體的環境中，而不是立即消失。建議要檢視這個項目之前，必須先有現場實際的聆聽經驗。
5. 完美的聲音平衡兼具透明度和空間感：Dave A. Wilson 使用一對低染色，全指向性的Schoeps CMC-32電容式麥克風，並採用間距配對（Spaced Pair）的麥克風配置。完美地捕捉管風琴極具震撼力的低音與自然延伸的泛音，同時展現驚人的透明度和逼真的空氣感。無論聽哪一首樂曲，聲音始終保持平衡自然。
6. 喇叭消失：無論在高音域的樂句，或是強勁的低頻，聲音應該始終從音場的深處傳遞出來，而不是偶而從喇叭的單體跑出來。
總結來說，這張 LP 就像是一把精準的尺，能毫無保留地反映出一套音響系統的實力與盲點。從低頻的下潛到空間的微弱共鳴，每一個細節都在考驗著器材的調校功力。不妨調暗燈光、放下唱針，重新檢視您的系統，看看它能為您還原出多少錄音現場的真相。
Label: Wilson Audiophile – W-8111
Vinyl/33 rpm/Stereo
Music
★★★★★ 評分 4.5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Jean Guillou (1930–2019) 是一位法國著名的管風琴家、鋼琴家兼作曲家。他以管風琴詮釋改編自鋼琴的作品而聞名。這張CD就是他改編作品的代表性錄音之一，曲目包括穆索爾斯基的《展覽會之畫》和史特拉汶斯基的三首選自《彼得羅西卡》的樂章。錄音地點在蘇黎世的Tonhalle 音樂廳。這張專輯完美展現Jean Guillo出神入化的管風琴演奏技藝、高度熟稔的觸鍵與爐火純青的音栓色彩運用，營造出兼具細緻紋理與磅礴震撼力的管風琴音樂。在錄音方面，同樣具備前面Wilson Audiophile - Magnum Opus Volume One的所有優點，整個聆聽過程不僅是一場音樂饗宴，更是對您音響系統的一場終極測驗。
Label: Dorian Recordings – DOR-99117
CD/Stereo/24kt, 24bit
Music
★★★★★ 評分 4.7（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張錄音所選用的管風琴是一台體型龐大的義大利魯法蒂(Ruffatti)管風琴，它擁有116個音栓和6791根音管。這台管風琴安裝在美國加州Garden Grove City 的社區教堂裡。於1977年6月由美國著名管風琴家Virgil Fox(1912-1980)主持落成典禮，Virgil Fox對這台魯法蒂管風琴卓越的製造品質和美妙的音色讚不絕口，因此，在兩個月後和Crystal Clear 唱片公司錄下兩張管風琴演奏專輯，我現在推薦的就是其中第二張。Virgil Fox最引以為傲的是，他是首位受邀在萊比錫聖托馬斯教堂舉辦個人獨奏會的非德籍管風琴演奏家。而這座教堂正是巴赫(J. S. Bach) 本人曾擔任管風琴師的地方。
Garden Grove社區教堂是一座具有非常現代化建築風格的教堂，擁有大面積的反射玻璃、厚厚的地毯和長椅上的軟墊。在這樣的聲學環境下，管風琴竟發出溫暖宜人的音色，不但音質細膩，清晰明亮而且氣勢磅礡。據唱片封面說明，殘響時間稍微超過兩秒半而已。因此，Virgil Fox在演奏時能夠充分表達其音樂理念，發揮這座管風琴的所有潛能。而不像有些管風琴安裝在殘響過長的聲學環境裡，導致造成聲音渾濁不清。Crystal Clear Records發行的錄音非常少，大部分都是直刻唱片，錄音師是Bert Whyte，母帶後製及刻片是鼎鼎大名的Stan Ricker。為了對應管風琴超寬的頻率響應範圍、動態對比和巨大的能量。錄音師使用兩隻特製的Brüel & Kjær (B&K)麥克風，並竭盡全力從麥克風到刻片機之間，提供最純淨的訊號路徑。這張直刻唱片具有比前兩張錄音更強勁的中低頻能量，它不僅考驗你的音響系統也考驗唱臂和唱頭的循軌能力。而且，透過極致純淨的錄音技術，完美捕捉了管風琴從宏偉到細緻的音色，是一張兼具極高藝術價值與考驗音響系統極限的發燒天碟。
Label: Crystal Clear Records – CCS-7002
Vinyl/ 33 rpm/Stereo/Limited Edition, Direct To Disc
Albums of the month / August
本月唱片推薦
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
首先，我想先釐清一個關於這張CD的發行版權和製作的問題。一直以來，很多人認為這是美國發燒大廠Wilson Audio製作發行，但是我查遍所有管道，從未找到Wilson Audio關於此張CD的正式官方聲明，也有人說是香港Top Music 請Wilson Audio 的創辦人Dave Wilson選一些最能展現他們家喇叭表現能力的音樂；也就是說，這張CD所有收錄的音樂都經過Dave Wilson背書。可是，我仍然找不到任何證據來支持這個說法啊。唯一可以證實的是這張CD所收錄的17首音樂全部來自位於美國加州的發燒小廠Delos所錄製發行的CD，而這張獨特的發燒測試CD也是由Delos負責製作，然後由香港Top Music 負責市場的代理與發行。話說回來，不管這張CD是否跟Wilson Audio有沒有任何關係，都不影響這張CD的收藏價值，因為它足以擔任鑑識Hi-end音響系統的試金石。
那麼，這一張CD到底有多神奇？讓我舉例說出它的主要特色：
1. 豐富自然的解析與純淨音質：Delos的錄音質地純淨細膩，能考驗音響系統對樂器音色、錄音場所聲學特性的分辨能力。例如：第一軌柯普蘭的《平民鼓號曲》是在西雅圖歌劇院錄製的，銅管樂器的聲音圓潤飽滿又具有光輝的色澤，當定音鼓敲奏時，強力的鼓聲反射出豐富的空間感。還有，當大鼓或是大鑼強力敲擊後，都可以感受到鼓皮震動以及鑼聲的殘響。第三軌Voices of Angels - Music of Hildegard von Bingen，這是中世德國本篤會修道院院長Hildegard von Bingen的無伴奏清唱(a cappella)作品錄音，她寫了大量的無伴奏單聲部的聖歌。這張CD是在紐約市第五大道上的Church of the Ascension錄製。女聲齊唱的音色純淨無瑕，音準超乎尋常的整齊簡直像一個人唱歌似的。這種宛如天籟之音融合在教會唱歌的氛圍感，非常迷人，與第一軌在歌劇院錄製的音響效果是截然不同，我想，一般標準的音響系統應該不難分辨才對。
2. 無與倫比的動態表現：這裡所指的動態表現包括寬廣的動態對比、動態的承受極限、凌厲的動態衝擊力與暫態反應。例如第七軌選自Hovhaness的《聖海倫火山交響曲》第三樂章－“Volcano”火山爆發的樂段。一開始是長笛六小節的獨奏，聲音很小聲，但清晰可聞，定位清楚；突然間，定音鼓與大鼓以4個ffff的極強力度敲出劇力萬鈞，氣勢驚人的鼓聲，十分震撼！接著是銅管、弦樂和木管陸續加入。在這一個樂段，定音鼓和大鼓一直持續演奏，如果聆聽空間有低頻駐波，可能會一直「轟」到樂曲結束。理想的情況是，鼓聲具有良好的低頻下潛能力，節奏清晰可聞而不會糊成一團，大鼓和定音鼓的定位穩固的在樂團後方而不會飄移。另外，聽聽第四軌Dancing Through The Walla “Mating Dance”，這是Ed Bland的作品專輯，除了長笛獨奏是真實樂器以外，其他打擊樂器全部是用MIDI製作出來的效果，因此，唱片封面稱它為Virtual World Percussion Ensemble。此曲極端考驗系統的暫態反應夠不夠敏銳？鼓聲的衝擊力夠不夠猛烈強勁？打擊樂器緊湊的節奏與長笛優雅的樂句線條是否形成有趣的對話？還有，長笛溫暖飽滿的音色與打擊樂器乾淨又富有彈性的鼓點是否也造成強烈對比？
總之，這張CD的選曲非常用心，它涵蓋多元音樂風格，包括古典樂、爵士、藍調、民謠與世界音樂等，每一首都考驗系統各方面的表現，可以說是全方位的體驗，非常值得收藏。
Label: Top Music - WA 8008
CD/Stereo/Premium Alloy Gold CD
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這一張CD也是由Top Music代理發行，音樂是選自位於美國紐約的Cala Records於1993年發行的蕭斯塔高維奇的管弦樂作品錄音，編號是CACD 1020。因此，這張發燒CD也是由Cala Records 製作，數位母帶規格是24 bit 96kHz，premium 24K gold CD。封面背後有註明 "Special Thanks Matisse Asia Corporation for The Sponsorship of Matisse Hi-End Equipments". 資深發燒友都知道Matisse英國這家專門生產Hi-End真空管擴大機的製造商，他們精良的製作品質與重播音樂的表現，在當時堪稱業界箇中翹楚，尤其曾經在香港、台灣轟動一時。既然有Matisse 的器材贊助，想必聲音應該非比尋常。
這張CD所收錄的蕭斯塔高維奇作品是由英國指揮家Mark Elder 指揮伯明罕市立交響樂團演奏，錄音地點在伯明罕市立交響樂團的音樂廳。這個音樂廳擁有2,262個座位容量，以豐富堂音兼具清晰自然平衡的聲學效果著稱。至於這張經過Matisse高端器材加持過的CD，它的聲音則呈現出一種非凡的特質，是一般CD所達不到的那種高貴細緻的音質水平。除了打擊樂器以外，無論是管樂器或是弦樂器，其音色醇厚，音質細緻，呈現有如黃金般高貴的光澤，聽起來既悅耳又迷人。很顯然的，這張CD並不是只有考驗音響系統的十八般武藝而已，其最大特色是測試音質表現的能力。那麽，打擊樂器的聲音表現如何？請聽第5跟第18軌，大鼓的聲音低沉飽滿，顆粒清晰，展現極佳的形體感與真實感，連鼓棒打在鼓皮上的瞬間敲擊質感都能清楚感受到。由此可見，這張Matisse Demo Disc兼具美聲與逼真的優點，實在不可多得的發燒CD。
Label: Top Music Matisse-8009
CD/Stereo/Pemium 24K gold CD
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這一張CD是由瑞士Hi-End音響製造商Ensemble Audio製作發行，收錄的音樂是選自挪威兩家唱片公司Simax Classics 和Aurora 所發行過的錄音。這些選曲都是Ensemble Audio的CEO，Dr. Urs Wagner挑選，它們在演奏和錄音方面均堪稱典範，同時也可以藉此察覺Dr. Urs Wagner個人的音樂品味，就是對現場音樂演奏的熱愛以及對整體聲音完美平衡的高度要求。所有的Simax Classics CD都以24 bit 錄製、編輯和母帶處理，而這張CD的預置母帶處理(premastering)使用了Ensemble Audio自家的線材和相關器材。值得一提的是，Wagner在CD盒的解說內頁中，特別將每一個選曲的製作人、錄音師、錄音時間地點、錄音麥克風和該唱片編號都詳細列出來，讓聆聽者可以分辨不同錄音麥克風與錄音場地對聲音的影響和之間的差別。正如這張CD的副標題 －“Sounds in natural perspective”（自然視角下的聲音）所暗示的那樣，這張CD的製作目標是藉著這些音樂展現真實自然的聲音而不是誇張的音效。
如果你的音響系統背景噪音夠低的話，則可以從「寂靜」的音場中浮出清晰的音像，展現聲音自然逼真的一面和活生感十足的演奏熱情。我相信，這張CD對於喜歡古典音樂的音響迷而言，可能會發現自己踏上了一段愉快的探索和發現之旅。
Label: Ensemble ECL 20031
CD/Stereo
Albums of the month / July
本月唱片推薦
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 4.3（滿分 5）
這兩張由大衛歐伊斯特拉夫演奏的錄音是法國The Lost Recordings 在上個月剛發行的LP唱片。演奏曲目是普羅高非夫的第一號、第二號小提琴協奏曲和蕭斯塔高維奇的A小調第一號小提琴協奏曲。普羅高非夫的兩首小提琴協奏曲是由科特桑德林指揮柏林交響樂團，演奏日期分別是1971年4月以及1965年3月。至於蕭斯塔高維奇的小提琴協奏曲則是由穆拉汶斯基指揮列寧格勒愛樂管弦樂團於1956年5月在柏林國立歌劇院的演出。
科特桑德林向來以其嚴謹的音樂態度和深刻的音樂詮釋備受讚譽。他出生於東德，其早年的指揮生涯曾經擔任福特萬格勒和Erich Kleiber(Carlos Kleiber 的父親) 的排練指導。由於他在1930到1960年期間，曾先後擔任莫斯科廣播交響樂團、哈爾科夫愛樂管弦樂團以及列寧格勒愛樂管弦樂團指揮，因此他有多次機會幫大衛歐伊斯特拉夫伴奏，合演協奏曲。從普羅高非夫的這兩首協奏曲錄音，便可聽出他們彼此之間有非常良好的默契。同樣地，歐伊斯特拉夫和穆拉汶斯基與蕭斯塔高維奇他們兩人也有著密切的合作關係，而蕭斯塔高維奇的第一號小提琴協奏曲就是題獻給歐伊斯特拉夫的，甚至蕭斯塔高維奇在創作此曲期間，有時候還跟歐伊斯特拉夫討論有關於此曲的小提琴獨奏部分，而歐伊斯特拉夫所給的建議，作曲家也欣然接受。簡而言之，大概沒有其他小提琴家比歐伊斯特拉夫更了解這首協奏曲。歐伊斯特拉夫完美無瑕的演奏技巧，無與倫比的溫暖琴聲和抒情深刻的情感表達，彷彿音樂的精髓就流淌在他的體內。就在這張唱片錄音半年多前－1955年10月，歐伊斯特拉夫在穆拉汶斯基的指揮下，與列寧格勒愛樂合作，在俄國完成了這部作品的世界首演。所以，從音樂家、樂團和演出的時空背景來看，這個「黃金組合」錄音的歷史定位，應該很難被取代。
The Lost Recordings 是一家獨立的法國發燒唱片公司，他們致力於發掘、修復和發行傳奇爵士樂以及古典音樂等音樂家之前從未公開發行的現場音樂會錄音。我收藏的這套唱片版本是SAPPHIRE EDITION，限量500套，使用全新高純度超透明處女膠壓片，品質超級高，唱片本身的底噪相當低，近乎 “dead quiet”。現在還買得到，有興趣者得把握時機。
Label: The Lost Recordings
200g 2 LP/33 rpm/Stereo, Mono/Sapphire Edition/Limited to 500 copies
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張唱片是美國RCA唱片公司在歐洲由Decca錄音的一系列傳奇性唱片中的第一張。錄音時間是1956年9月4~7日，地點在維也納索菲恩音樂廳(Sofiensaal)。錄音曲目是理查史特勞斯的兩首交響詩：《狄爾的惡作劇》和《死與變容》。唱片製作人是John Culshaw，錄音師是James Brown，這兩位都曾經是Decca 錄音製作團隊裡的靈魂人物。Decca當年由Solti指揮維也納愛樂管弦樂團演奏的第一套也是最著名的全套《指環》錄音，其當年的製作人就是John Culshaw，James Brown則是其中的一位錄音師。
萊納的指揮風格以其一絲不苟的精準度聞名，他具有獨特的才能，使其能夠梳理史特勞斯龐大複雜的管弦樂作品和對位手法。他的理查史特勞斯音樂詮釋，從不感傷濫情；相反地，他採用一種客觀及忠於樂譜的詮釋方式。他注重樂曲結構的完整性，節奏的準確度，樂句的優美和分句的清晰度。我認為，傑出作品的演釋，只要把音符的「裡」、「外」處理到位，音樂本身自己就會說話了。我所說的「裡」，指的是隱藏在音符背後，作曲家想表達的音樂意涵；「外」，指的是寫在樂譜上的所有訊息，包含記譜，各種表情符號、術語等等。
這張唱片長期以來，一直以其傑出的錄音和精湛的演奏廣受唱片收藏家的喜愛。尤其是萊納「清晰客觀」的詮釋，反而充分展現理查史特勞斯豐富的想像力和音樂的戲劇性。
萊納與維也納愛樂合作的錄音不多，大概只有三個，分別是威爾第：《安魂曲》（RCA LDS 6091）、布拉姆斯《匈牙利舞曲》與德弗札克《斯拉夫舞曲》(Decca SXL 2249)以及這張理查史特勞斯的交響詩(RCA LSC-2077)。從1956年到1960年初，由Decca錄音，RCA出資發行的唱片，共有12張，這個傳奇系列錄音(RCA/Decca Living Stereo Series)，無論在演奏與錄音方面，都已達到天花板的水準，我覺得每一張都有極高的收藏價值。ED 1(頭版)的價錢已經被炒到天價，可以考慮已經絕版的Classic Records復刻版；不過，最划算的還是Analogue Productions的復刻版，因為它跟Classic Records都是用原始類比母帶重新刻片。
I was lucky enough, 我手上這張唱片是RCA ED1(1S/3S)，而且片況是near mint。毫無疑問，這張絕對列為我個人的「荒島唱片」(Desert Island Records)清單之一。
Label: RCA LSC-2077
Vinyl/33 rpm/Stereo
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張雷史畢基的三首管弦樂作品錄音，是由匈牙利英年早逝的指揮家克爾提斯(István Kertész ,1929 – 973)指揮倫敦交響樂團，英國Decca唱片公司於1969年發行的唱片。克爾提斯以善於詮釋德弗札克、巴爾托克等中歐作曲家和莫札特、舒伯特等18世紀維也納作曲家的音樂聞名。至於這張雷史畢基作品的唱片，我猜可能是克爾提斯在Decca的唯一錄音。
他的指揮風格偏向於注重音樂流暢，避免過度戲劇化或是濫用彈性速度，同時善於運用微妙而靈活的節奏和強弱變化，使音樂富有活力。尤其是特別注重樂團聲音的清晰平衡，他的布拉姆斯交響曲雖沒有東德樂團的那種厚重感，但是仍保有良好的音樂張力與流暢性。
回到這張唱片的曲目，分別是雷史畢基的《羅馬之松》、《鳥》和《羅馬之泉》。雷史畢基是音樂史上頂尖的管弦樂法大師，他的管弦樂手法技術精湛，具有生動豐富的色彩、清澈透明的聲音特色。因此，要錄出模糊難聽的聲音，還不太容易。不過，要能呈現像這張唱片寬深的音場和逼真的樂器定位，可就有點難度了。這張唱片的錄音師是Kenneth Wilkinson，錄音地點在倫敦Kingsway Hall，這個聞名於世的錄音場所是Wilkinson最喜歡的錄音場所之一，另一個是Walthamstow Assembly Hall。整體的錄音效果令人驚艷！聲音飽滿又透明，有絲絨般的弦樂音色，也有輝煌明亮的銅管樂聲，獨奏樂器的音質精緻細膩。例如在《羅馬之松》第二樂章：《古墓旁的松樹》中間，有一段小號在後台吹奏的樂句，Kenneth Wilkinson捕捉到小號溫暖飽滿的音色，而且獨奏者的音樂性相當優美，令人印象深刻。第三樂章：《賈尼柯洛山丘之松》，雷史畢基以細膩的配器筆觸生動地描繪在山丘上的夜空中，月光映照出松樹的剪影。豎笛優美溫潤的獨奏搭配加上弱音器的弦樂襯底，營造出一種寧靜夢幻的氣氛。這種迷人的氛圍彰顯出這個錄音具有相當好的透明度和細節的表現，才能呈現出這樣的質感。接下來是更精彩的第四樂章：《阿庇亞古道之松》，這個樂章對音響系統來說是一個大考驗。它考驗音響系統的動態和低頻的厚度與細節的表現，同時，它也考驗在氣勢恢宏的樂團合奏中的聲音平衡性。此樂章是從三個ppp(最弱)的力度開始，然後逐漸擴展增強到結束時的三個fff(最強)，動態對比相當大。定音鼓的清晰度和大鼓低沉的重量感是聆聽測試的一個重點。此外，雷史畢基想要描寫在羅馬軍隊行進的腳步下，感受到大地的震動，以呈現壯盛的軍容和氣勢。因此他在總譜上指示管風琴演奏者在8呎、16呎和32呎的腳踏板上演奏低音降B。而且使用定音鼓演奏貫穿整個樂章的八分音符節奏，以描述軍隊精神抖擻的步伐。克爾提斯對這個樂章的速度與主題的附點節奏處理，乾淨俐落，充分展現作曲家的樂念。
當時的倫敦交響樂團演奏水準相當高，在克爾提斯的指揮下，將雷史畢基這三首管弦樂作品推升到極高的藝術境界，加上無與倫比的錄音，造就了這張唱片的收藏價值。
Label: Decca SXL 6401
Vinyl/33 rpm/Stereo
Albums of the month / June
本月唱片推薦
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張CD是管樂團歷史中，貢獻最卓著的指揮家Frederick Fennell(1914-2004)指揮東京佼成管樂團於1996年9月在東京江戶川區綜合文化中心的錄音。大師Fennell在1984年擔任東京佼成管樂團常任指揮，1996 年成爲佼成管樂團桂冠指揮直到2004年他辭世為止。在這任期時間裡，他與佼成管樂團的錄音至少超過30張，其中以KOCD(佼成出版社出版)為編號的錄音多達27張。這些錄音因為十分受到全球管樂界的喜愛，早已經被再版過幾次。然而，這張由日本EMI發行的HQCD倒是十分罕見，而且錄音曲目好像沒有和之前的錄音重覆。收錄曲目共有八首，前面五首是Percy Grainger的作品，然後是William Latham: Three Choral Preludes for Concert Band、Paul Creston: Anatolia(Turkish Rhapsody)以及Elgar: The Severn Suite。Percy Grainger為管樂團創作了許多作品，他對保護英國民謠的熱情佔據了他作曲生涯相當大的一部分。不過，第二首Colonial Song《殖民地之歌》，則是他為數不多的原創之作。在這首作品中，Grainger希望透過音樂來表達他被故鄉澳大利亞的風景所喚起的情感。他甚至稱此曲為「一首感傷的作品」。原曲是題獻給他母親的鋼琴獨奏曲，之後，Grainger將此曲改編成五個不同的演出版本，至今最常被演出的是1918年的管樂團版本和1912年的管弦樂版。本張Kosei管樂團演出的版本是1997年由R.Mark Rogers 改編的版本。
談到Fennell對於Grainger作品的詮釋，我相信大多數的管樂迷都認為其具有絕對的權威性。時間回到1952年，Fennell創立了開創性的伊士曼管樂團之後，他寫信給400位當代作曲家徵求為管樂團合奏的新作品。而Grainger是其中最早回應的作曲家之一，並且他也十分支持這個計劃。一位是新型態的管樂合奏倡導者，一位是熱情支持的作曲家，兩人隨即一拍即合，從此成為摯友，經常通信分享彼此對音樂的觀點與見解。如前所述，Grainger大部份的作品都取材自民謠，但是他的作曲手法卻是前衛的，無論在調性、和聲、樂句結構與自由對位的運用方面，在當時的管樂合奏作品領域裡，的確獨樹一格。就以Colonial Song《殖民地之歌》這首來說，這是一首充滿鄉愁且十分動聽的樂曲。不過，音樂內容卻不單純，因為在優美弦律的樂句裡，涵蓋多聲部線條，而且有時會出現延長記號、速度變化、變換拍子以及短休止符等多種元素。而佼成管樂團在Fennell的帶領下，呈現出層次分明、自然流暢、歌唱性豐富的音樂，我很肯定地認為這是我聽過此曲最佳的演奏與詮釋的錄音版本。此外，在這張CD收錄的曲目中，有一首樂曲值得特別介紹，就是美國作曲家William P. Latham的《三首聖詠前奏曲》(Three Chorale Preludes for Concert Band)，此曲具有德國巴洛克時期的復音音樂風格，其中第二首聖詠前奏曲《哦，神聖的頭顱，如今受傷》，使用文藝復興時期德國作曲家Hans Leo Hassler所寫的歌曲，這首歌曲深受16、17世紀許多作曲家的青睞，是一首最爲人熟知的受難合唱曲，其中最著名的是巴赫的《馬太受難曲》，他曾五次以不同的形式使用它。在創作手法方面，Latham引用巴赫第140號清唱劇《儆醒之聲》中的第四首聖詠－《錫安聽到夜巡者的歌聲》的手法；也就是一開始由弦樂聲部演奏讚美風格的旋律，接著才由男聲唱出聖詠的主題。而Latham以隱喻性的手法借用韓德爾歌劇《里納多》中的詠嘆調《讓我哭泣吧》(Lascia ch'io pianga” from Rinaldo, HWV 7a)作為樂曲開頭的引導，然後由Baritone, Horns, Alto & Tenor Sax. 吹奏出受難合唱曲的主題－《哦，神聖的頭顱，如今受傷》，剛好前後呼應樂曲的含義。
Latham巧妙的樂曲構思，細膩而具效果的配器為管樂團曲目增添了極具藝術價值的作品。聆聽此曲時，我聽到佼成管樂團聲部之間的和諧、平衡、優美的和聲與音色，展現出此曲深沈而高貴的內涵；加上優秀錄音的幫襯，實在是難得的CD。
Label: Toshiba EMI TOCF-90019
HQCD/Stereo
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張CD一樣是Fennell指揮東京佼成管樂團的錄音，錄製時間是1997年1月，錄音地點位於日本埼玉縣所澤市民文化中心。收錄曲目全都是改編自管弦樂曲的作品。分別是Malcolm Arnold: Four Scottish Dances, Grieg: Three Symphonic Dances, Bartók: Dance Suite以及Khachaturian: The Valencian Widow Suite。
在20世紀中葉專為管樂團創作的原創作品數量，比起現今21世紀相對來的少。因此，給管樂團演奏的管弦樂曲改編版(transcription version)成爲當時音樂會上的主要曲目。如今，既使原創管樂作品數量激增，這些管弦樂改編曲仍然是世界各地高中、大學和職業管樂團的標準曲目。但是，將管弦樂作品改編成管樂團版本並非簡單地逐音複製貼上而已(note-for-note copy-paste)，它需要對音響色彩和管樂演奏有深刻的理解。我概略舉出四個要點：
1. 弦樂聲部重新配器：弦樂在傳統管弦樂團中佔據主導地位，相對地，豎笛在管樂團中也扮演著與弦樂同樣的角色。然而，僅憑豎笛家族替換整個弦樂還是不夠的，還需考慮整個木管聲部包括薩克斯風聲部等，也都必須考慮進去。甚至必要時，銅管樂器也可以派上用場，例如經常用上低音號代替大提琴的角色。
2. 管樂吹奏者的持久耐力：基本上，弦樂演奏者幾乎可以無限期地運弓而無需停止，可是管樂演奏者受限於呼吸換氣的問題，不可能像弦樂一樣。因此，編曲者必須仔細重新分配聲部與樂句處理，並設定錯開的呼吸提示，以避免管樂手在演奏過程中出現疲勞的狀態，並且能保持綿長而持續的樂句。
3. 調性轉換：管弦樂團較適合演奏升記號系列的調性，例如D大調或E大調。因為這些調性在空弦樂器上能產生較佳的共鳴。反之，管樂團則適合演奏降記號系列的調性，例如降B大調或F大調，這主要是因為管樂器的結構所致。所以，爲了確保演奏技巧的靈活性和音準，改編者通常會將原作品的調性上下移動半音。
4.音色變化：這是一個最棘手的難題，也相當考驗編曲者的才華。弦樂的音色與聲音紋裡是管樂器無法取代的，只有盡可能模擬弦樂聲部的和聲色彩與效果，同時還必須平衡木管樂器和銅管樂器的比例，以反映原作曲家的創作樂念。
說了這麼多，主要是想闡述，如果能夠先理解上述四大要點，再來欣賞Fennell指揮東京佼成管樂團的這張CD，你就能體會Fennell處理這類曲目的功力有多麼深厚以及樂團的演奏水準有多麼高。當然啦，傑出的編曲是絕對需要的。
我認為在音樂詮釋方面，在這張CD的曲目中最具挑戰的是Arnold《四首蘇格蘭舞曲》中的第三樂章Allegretto。此樂章的原管弦樂曲是以動聽的弦律加上優美的弦樂音色著稱。Arnold在主題第一次反覆時，整個弦樂加上弱音器，並在高音域齊奏主題(低音提琴除外)，呈現出纖細迷人且帶有光澤的音色。管樂團改編版在此樂段，編曲家John Philip Paynter 除了用Flute, English Horn, 2nd& 3rd Clarinets, Alto & Tenor Sax. 以及Baritone替代弦樂聲部之外，他還加上Cornets為這段樂句添加音色的光澤度，效果十分出色。Fennell與東京佼成的演奏，在音樂意境與氣氛上，與Arnold自己指揮的管弦樂版差別不大，詮釋非常到位。Paynter的這首改編版，無論是現場演出或是錄音，我已經聽過很多次，而Fennell的這個錄音是我聽過最好的演奏。另外，在錄音方面，這張CD以達發燒錄音等級，不但樂器定位清晰，而且很有臨場感，遠遠勝過佼成出版社他們自己的錄音。
Label: Toshiba EMI TOCF-90020
HQCD/Stereo
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張CD是日本著名指揮家飯守泰次郎(Taijiro Iimori, 19040-2023)於2013年10月18日指揮東京佼成管樂團在東京大都會劇院的現場演出錄音，收錄曲目全都是改編自華格納管弦樂曲的管樂合奏版。飯守泰次郎在日本以詮釋華格納和布魯克納的音樂聞名。他在1962年畢業於桐朋學園音樂大學，1969 年榮獲卡拉揚國際指揮大賽一等獎。他對華格納音樂的權威性源自他從1970年到1992年期間在拜魯特音樂節的長期工作經驗。他在那裡擔任音樂助理超過20年，使他有足夠的時間沈浸在華格納親自設計的拜魯特歌劇院環境中吸收了豐富的音樂養分；因此，無論是對華格納的配器手法、聲音平衡或是「樂劇」獨特的聲學挑戰等方面，他都具備深刻的理解與經驗。此外，身爲指揮家和鋼琴家，飯守泰次郎還活躍於歐洲眾多歌劇院。這樣看來，基於他長年在歐洲尤其是在德國潛心研究藝術與音樂的結果，使他對德奧音樂的詮釋有極高的說服力。
例如第三首選自歌劇《崔斯坦與伊索德》的《前奏曲與愛之死》，此曲的特色就是著名的「崔斯坦和弦」（Tristan Chord），大量使用半音階和聲以及「無止盡的旋律」(endless melodies)。Iimori深知華格納的創作構思，他細膩地利用半音階的連續上行與下行，讓音樂極其富有流動感，並且巧妙地運用「懸而未決」的和聲狀態，藉此營造出充滿張力的音樂，將歌劇中對情愛的渴望與痛苦表達得淋瀝盡致。同時，此曲綿長而起伏不斷的旋律也展現佼成管樂團木管聲部的深厚功力，令我深深佩服。當我聆聽第四首《唐懷瑟進行曲》和第七首《紐倫堡名歌手第一幕前奏曲》時，我發現Iimori不僅僅帶出華格納式的莊嚴與恢宏的氣勢，而且相當注重管樂器的articulations以盡量貼近原管弦樂曲的風格。還有第六首選自《諸神的黃昏》裡的《送葬進行曲》，那種緩慢且富有張力的圓滑奏，十分吸引人。值得一提的是，我首次聽到管樂團演奏華格納音樂時，定音鼓敲出飽滿的音色而且與低音銅管聲部十分契合。毫無疑問的，這真的是一張不容錯過的CD。
Label: fontec FOCD9701
CD/Stereo
Albums of the month / May
本月唱片推薦
Music
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這個錄音是俄國鋼琴家兼指揮家普列特涅夫19年來第一次為Deutsche Grammophon錄製的一張錄音室專輯。錄音曲目是蕭邦《24首前奏曲》(24 Préludes, Op.28)與史克里亞賓的《24首前奏曲》(24 Preludes for piano, Op.11)。蕭邦寫給鋼琴的24首前奏曲，部分靈感來自巴赫的《平均律鋼琴曲集》(The Well-Tempered Clavier)，它包含了24個大小調的前奏曲，這些都是簡短的小品，甚是超過一半以上的前奏曲，其演奏時間不超過兩分鐘。雖然每一首前奏曲的時間不長，然而它的音樂表現卻是非常多樣化的。美國二十世紀初著名樂評家Henry Finck曾說：「如果世界上所有的鋼琴音樂都要被銷毀，只能留下一部作品，我最想保留的就是蕭邦的《前奏曲》」。
史克里亞賓的《24首前奏曲》屬於他早期的作品，我相信多少受到蕭邦的啟發而創作同樣涵蓋24首大小調的前奏曲，而且每一首前奏曲的長度也都是蠻簡短的。雖然架構與蕭邦的作品大同小異，但是在和聲語言與音樂表達的手法方面，兩者截然不同。
在這張錄音，普列特涅夫的「蕭邦」，摒棄一般強烈情感表達的傳統，而是呈現出一種淡定從容、即興和寧靜的演奏風格。但是請別誤以為是某種的鬆散或無趣；相對的，普列特涅夫以其淡然之中見精深的詮釋，營造出如萬花筒般的音樂氣氛和感受。他彈奏的每一個樂句甚至每一顆音符都讓你感覺到那是經過數十年功力所淬鍊出的精華；我實在被他純粹的音樂深度所著迷了。此外，值得一提的是普列特涅夫所彈奏的鋼琴，這是日本KAWAI鋼琴目前的旗艦型號：Shigeru Kawai SK-EX Concert Grand。在這張錄音裡，鋼琴的低音深沉渾厚而不混濁，中音飽滿清晰，高音明亮悅耳。彈奏複雜和弦的時候，聲音仍能保持異常的清晰。當然啦，有這麼好的錄音效果，錄音師絕對是功不可沒。錄音師是德國著名的錄音師Rainer Maillard，錄音地點在柏林Emil Berliner Studios。這是我第一次聽到使用Shigeru Kawai SK-EX演奏的錄音，著實令我印象深刻。
Label: Deutsche Grammophon
Hi-Res, 24-bit 96kHz/Stereo
Music
★★★★★ 評分 4.7（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張錄音是瑞典哥登堡交響樂團首席指揮Santtu-Matias Rouvali(以下簡稱桑圖)從2019年以來在Alpha Classics錄製一系列西貝流士作品的最新專輯。收錄曲目包括西貝流士D小調小提琴協奏曲和《連明凱倫》組曲。獨奏小提琴是年輕的瑞典小提琴家Ava Bahari，她曾得過多項國際比賽大獎，其中包括帕格尼尼小提琴大賽首獎，目前是哥登堡交響樂團的駐團藝術家。西貝流士小提琴協奏曲一向以超高難度著稱，而Ava Bahari以其精湛琴藝和完美的音準完全駕馭這首充滿挑戰的協奏曲。尤其在第一樂章的Cadenza和第二樂章兩聲部的三對四複節奏，其樂句處理清晰完整，成熟穩健。Ava Bahari 所演奏的琴是1694 年Stradivarius “Ovcharov”，音色十分優美，表現力也相當豐富。在樂團伴奏部分，(其實，此曲的伴奏比柴可夫斯基小提琴協奏曲還難搞！) 桑圖將這首交響化的樂團伴奏控制得宜，讓Bahari有充份發揮的空間，指揮與獨奏者彼此之間有高度的默契，尤其在第三樂章，將節奏鮮明的樂句處理得相當精彩，感覺獨奏與樂團迸發出令人驚艷的音樂火花。
第二首樂曲是《連明凱倫》組曲(Lemminkäinen Suite)，它由四個樂章組成，西貝流士將它們統稱為《芬蘭民族史詩「卡勒瓦拉」中的四個傳說》（Four Legends from the Finnish National Epic“Kalevala”）。連明凱倫是芬蘭神話中的重要人物，他是「卡勒瓦拉」這部芬蘭史詩中的英雄人物之一。他有點像芬蘭版的唐璜(Don Juan)，又帶著希臘戰神阿基里斯的風流韻事，所以，這位史詩英雄的冒險經歷激發了西貝流士創作此曲的靈感。但是西貝流士並未逐字逐句地描寫，而是用象徵性的手法捕捉情境的氛圍，並在創作過程中展現自己獨特而鮮明的風格。關於曲中人物主導動機的運用，西貝流士汲取華格納的手法，而在樂曲形式方面則傾向李斯特的交響詩。因此，這四首組曲可以說是一首連篇的交響詩。桑圖從2019年開始至今已經錄製了西貝流士全部七首交響曲，因此，從《連明凱倫》組曲的演奏，就可了解他已經充分掌握西貝流士獨特的管弦樂法和音樂風格。具體來說，西貝流士表達迷人的音樂張力手法往往不是在銅管和打擊樂器部分，而是在弦樂聲部。例如在第二首組曲英國管兩段獨奏之間的休息樂段，桑圖讓整個弦樂齊奏的力度完全釋放出來，展現出飽滿的張力與美感，使音樂的戲劇氛圍更加濃厚。論到西貝流士的最佳音樂詮釋，在上個世紀黑膠黃金時代，有著名的指揮家Sir John Barbirolli和Paavo Berglund，到21世紀初則出現芬蘭指揮家Osmo Vänskä；到了當今數位音樂時代，我認為桑圖絕對夠資格與前輩們並列一起。最後附帶一提，關於第二首組曲: The Swan of Tuonela《黃泉的天鵝》，標題中的“Tuonela” 意指芬蘭神話中的冥界和亡靈之地，這個字起源於芬蘭神話中的死神 Tuoni 的名字，而Tuonela與人間隔著一條黑暗的河流；我覺得中文將Tuonela翻譯成「黃泉」頗為貼切。
Label: Alpha Classics
Hi-Res, 24-bit 96kHz/Stereo
Music
★★★★★ 評分 4.7（滿分 5）
Sound
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這個7張CD一套的錄音剛於今年三月發行，內容是Andris Nelsons從2021年至2024年間，指揮萊比錫布商大廈管弦樂團的現場音樂會錄音，曲目都是孟德爾頌最重要的作品，包括神劇《保羅》、《以利亞》和交響曲全集。拉脱維亞指揮Andris Nelsons 最近因為波士頓交響樂團董事會突然宣布與他解約的事件而引起全球古典樂壇的關注並聲援支持Nelsons，但是，我也看到有些網友在社群媒體發表對Andris Nelsons的負評。
如果，你因此質疑Nelsons的指揮能力，那我想建議你先聽聽這套錄音之後，自己再做判斷。因為這套孟德爾頌作品的錄音恰恰展現Nelsons令人敬畏的指揮功力與卓越的音樂才華。老實說，我以前並不一定欣賞Nelsons的每一場演奏，不過，這套錄音改變了我對他的看法。
首先談談孟德爾頌的神劇作品，自從孟德爾頌在20歲(1829)那一年指揮巴赫的《馬太受難曲》之後，這場劃時代的演出震撼了歐洲樂壇，直接掀起了「巴赫復興運動」，使巴赫奠定了今日「音樂之父」的崇高地位。此後，孟德爾頌繼續深入鑽研巴赫與韓德爾的作品。例如：孟德爾頌汲取巴赫嚴謹的對位、賦格手法；另外，他也徹底吸收了韓德爾在神劇中合唱的壯麗氣勢與戲劇張力，並將其轉化為抒情詩意的個人風格，進而融入19世紀浪漫派豐富的和聲與管弦樂色彩。因此，樹立了這兩首神劇在宗教音樂領域的不朽地位。
在神劇《保羅》最後一首終曲大合唱#45 Final chorus: “Nicht aber ihm allein” （不但賜給他），與《以利亞》終曲大合唱#42“Alsdann wird euer Licht hervorbrechen”(那時光明終將綻放)，這兩首都是用對位合唱手法寫成的終曲，Nelsons在這裡將樂團與合唱的音色，呈現出完美的融合與平衡。
至於孟德爾頌這五首交響曲的演奏錄音，萊比錫布商大廈管弦樂團在Nelsons的帶領下，展現了充滿活力且細膩的演奏，在快板的樂章，節奏輕快卻不顯倉促；慢板樂章，樂句的線條抒情優美。連通常被視為較為冷門的第一號交響曲，在Nelsons的詮釋下，也變得更加生動。我察覺樂團對音樂的敏銳度相當高而且是自發性的，因此造就完美的合奏融合度和精緻的樂團音色。我想，這除了高超的樂團水準之外，應該與樂團的優良傳統有關。萊比錫布商大廈管弦樂團作為全球歷史最悠久的頂尖管弦樂團之一，他們有一個著名的傳統精神：「真正的喜悅是一件認真的事」(拉丁文：Res Severa Verum Gaudium），樂團以此古羅馬格言作為座右銘，還將它銘刻在萊比錫布商大廈音樂廳（Gewandhaus）的舞台上方，以時刻提醒著音樂家們必須對藝術保持嚴謹、深入的鑽研，藉此才能體會到音樂帶來的真正喜悅。這實在令人佩服！
最後談到錄音，我想以簡單八個字形容：「平衡自然、音質優美」。DG唱片公司的錄音清晰透明，樂團聲部與合唱團的定位層次分明，而且無論是合唱團、獨唱和樂團各聲部的聲音平衡都恰到好處。另外，管風琴在這兩首神劇中雖然不是擔任要角，但是低頻頗有權威感，因而增加整體音樂的堅實基礎。
整體來說，這套錄音具有高度的欣賞價值。如果對購買一套CD有點猶豫，建議可先透過高品質的無損串流音樂平台來欣賞。
Label: Deutsche Grammophon
Hi-Res, 24-bit 96 kHz/Stereo
Albums of the month / April Vol. 2
本月唱片推薦
★★★★★ 評分 4.4（滿分 5）
這張RCA唱片的錄音時間是在1956年10月底至11月初期間，錄音地點位於法國巴黎的瓦格拉姆音樂廳(Salle Wagram)，這座音樂廳建於1865年，是一棟歷史悠久的建築。錄音師是Decca唱片公司的Roy Wallace，Decca著名的 “The Decca Tree”麥克風錄音技術，就是他和Arthur Haddy於1950年代一起發明的，後來由Kenneth Wilkinson進行改良。這張錄音的首次發行是1957年，當年只發行單聲道版本，唱片編號是LM- 2113。立體聲版則在隔兩年後於英國發行，唱片編號是SB-2037。不知何故，這張錄音的立體聲版從未在美國發行，直到1990年代初期才由美國Classic Records唱片公司用原始類比母帶發行立體聲版，編號是LSC-2113。指揮是備受史特拉汶斯基推崇的孟都(Pierre Monteux)，他首演過史特拉汶斯基的三部作品： “Petrushka” (1911), “The Rite of Spring” (1913), 以及 “The Nightingale” (1914)。關於《彼得羅西卡》當年的首演，有一段趣聞；俄國編舞家Diaghilev原本是邀請俄國指揮家Nikolai Tcherepnin到法國指揮這場首演，而孟都只負責在Tcherepnin到達之前的樂團排練。沒想到，當史特拉汶斯基看到孟都與樂團的排練後，堅持指定孟都作為首演的指揮。因此，有作曲家的背書，孟都對史特拉汶斯基作品的詮釋，我相信具有絕對的權威性而且經得起時間考驗。可惜的是，這張錄音美中不足之處在於當年的巴黎音樂院管弦樂團演奏水準稍微差了一點，另外，錄音的音場不夠寬敞。但是，以音樂詮釋觀點來看，這張稀有的立體聲版還是值得收藏。
Label: Classic Records LSC-2113
200g LP/33rpm/Stereo
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張唱片的首次發行是在1958年，當年也是只發行單聲道版，唱片編號是LM-2185。到1959年才在英國發行立體聲版，編號是SB-2035，而RCA的立體聲美國版則從未發行。直到90年代才由Classic Records發行立體聲版，編號是LSC-2185。這張錄音的地點都是在英國著名的錄音場所，分別是：拉赫曼尼諾夫《第三號交響曲》 – Walthamstow Assembly Hall, London, 1956; 《俄羅斯復活節序曲》– Kingsway Hall, London, 1957 。談到拉赫曼尼諾夫交響曲或是其他俄國作曲家的錄音版本，我們通常不會聯想到英國指揮家包爾特(Sir Adrian Boult)。然而，他對這兩首作品的詮釋，無論從樂團聲音的平衡、速度處理、情感表達以及倫敦愛樂的演奏水準來看，都足以與其他版本相媲美。例如難以捉摸的《第三號交響曲》，包爾特完全掌控自如，他把樂曲的結構和音樂情感表現得清晰完整，使理性與感性兼容並蓄。而《俄羅斯復活節序曲》則充滿洋溢的活力與豐富的管弦樂色彩。這與包爾特被誤解為沉悶乏味的形象形成了鮮明的對比。喜歡俄國音樂的樂迷千萬別錯過這個錄音版本，現在已經可以在串流音樂平台找到此錄音，如果可以找到立體聲版的LP，會更棒！
Label: Classic Records LSC-2185
200g LP/33rpm/Stereo
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
法國指揮家孟許(Charles Munch)在擔任波士頓交響樂團音樂總監期間(1949-1962)共錄製白遼士《幻想交響曲》兩次，這兩次都由RCA唱片公司發行。第一次是在1954年11月，第二次是1962年4月，就是他任期的最後一年。雖然1962年版的錄音(LSC-2608)比較熱門，不過，1954年版的錄音其話題性較多而且稀有。話題性的緣故是由唱片的封面設計所引起的。話說當這個1954年的錄音版本於1955年發行時(LM-1900)，最初的唱片封面是由Jane Sinnickson設計，這封面描繪了一個超現實的「雙頭三眼」的女人，相當引人注目。但是由於它被認為怪誕或令人感到不安，最終被替換成一幅較傳統的科幻風格畫作（以紅色為底的圖案）。儘管封面有所改變，但是最初那幅怪誕的封面設計現在已被視為極具收藏價值的藝術品。其次是關於錄音發行；我查遍了各種資訊來源，始終查不出1954年的錄音版本於1955年發行時，為何只有單聲道的LP版本(LM-1900)？而立體聲版卻在同一年以盤式帶的方式發行。也就是說，RCA從未發行這個錄音的立體聲黑膠唱片。直到90年代才由Classic Records發行立體聲版的黑膠唱片(LSC-1900)，而且先後以兩種不同設計的封面發行。孟許指揮的《幻想交響曲》早已被廣泛地認為是此曲目的標竿之作。他激情澎湃的指揮風格，大幅度的彈性速度運用，使音樂既充滿戲劇張力，也符合作品的迷幻曲風；加上波士頓交響樂團精湛的演出，在孟許的指揮棒之下，簡直是活力四射。高度推薦！
Label: Classic Records LSC-1900
200g LP/33rpm/Stereo
Albums of the month / April Vol. 1
本月唱片推薦
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這個兩張一套的CD是英國指揮家John Eliot Gardiner於1988年4月錄製的巴赫《馬太受難曲》。從1723年開始，德國萊比錫巿議會聘請巴赫出任聖湯瑪斯學校合唱團（Thomaskantor）的音樂總監，這份工作其實非常吃重，但也是這一段時間(1723-1750)，是巴赫教會音樂最多產的時期。當時，萊比錫「受難節」的傳統是在受難日 (Good Friday) 晚禱時間，在教會演出《受難曲》來記念基督的十字架受死。因此，巴赫在任職的第一年創作《約翰受難曲》，並於1724年首演，接著在1727年完成《馬太受難曲》，於同年4月11日(Good Friday)於萊比錫 St. Thomas Church首演；之後的幾年內先後演出三次，但反應不佳，自此落入束之高閣的命運。一直到1829年，約《馬太受難曲》問世的一百年後，孟德爾頌經恩師策爾特（C. F. Zelter, 1758-1832）的鼓勵，親自指揮復演《馬太受難曲》，結果造成極大轟動，連帶使得去世後被埋沒多年的巴赫，終於在十九世紀受到重視而獲得被重新評價的機會。《馬太受難曲》偉大之處在於這部作品把人類面對基督受難時，將痛苦、凌辱、磨難、愛和喜悅等各種極其複雜和難以言喻的情感，表達得淋漓盡致！使得在深邃超凡的音樂裡，引導會眾更加深刻理解耶穌基督從死裡復活，帶給全世界的人永生的盼望。
巴赫在創作生涯中從未寫過歌劇，然而這部演出時間長達兩個半小時的作品，其戲劇性和音樂表現力一點也不亞於歌劇。巴赫精心佈局各聲部的獨唱與合唱，連樂器的搭配也很講究。例如：當一般人說話時(宣敘調)，僅有管風琴以簡單的數字低音伴奏；只有基督的宣敍調是用弦樂伴奏，造成一種弦樂光環包覆的效果，可是當耶穌被釘在十字架上，最後呼喊：「我的神！我的神！為什麼離棄我」（Eli, Eli lama asabthani）時，光環消失，只剩管風琴伴奏。這個安排充滿神學思維，彷彿天父此時離開，沒有與基督同在，任由可怕的刑罰臨到祂的獨生愛子。
此外，巴赫拋棄了傳統歌劇的創作手法，就是認為宣敘調僅僅是進入詠嘆調的經過句的這項觀念。相反地，他使宣敘調和詠嘆調之間產生更緊密的聯結，使前者可被理解為後者的導奏。在此部作品中的群眾合唱也扮演重要的角色，它不僅帶來戲劇張力，還具備結構上的重要性，最顯著者莫過於樂曲開端和結束的大型合唱，這些聖詠合唱雖未參與戲劇的情節發展，卻構成這部劇力萬鈞之作的中流砥柱。其中最著名的聖詠就是No. 54 — 「哦！這滿是鮮血創傷的頭顱」，這段聖詠的旋律在整個受難曲中重覆使用數次。這個旋律其實是16世紀德國作曲家Hans Leo Hassler (1562-1612) 所創作，巴赫借來引用。他遵循四部合唱的傳統編制，然而，和聲運用的手法顯得豐富又細膩。
John Eliot Gardiner以擅長詮釋巴赫音樂聞名，他既有豐富的學術根基又具備深刻的音樂洞察力；他不執著於學究派也不像現今新世代指揮，為吸引大眾目光，刻意凸顯矯情浮誇的作風，而忽略巴赫音樂的藝術本質與其宗教信仰的精神內涵。Maestro Gardiner於1988年在英國Snape Maltings Concert Hall錄製的這套《馬太受難曲》，至今仍然是經典名盤，綜合演奏詮釋、聲樂家陣容及錄音等三方面，它已達到相當高的成就，我認為至今為止，應該不容易被超越。
Label: Archiv Produktion
CD/Stereo
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張由巴畢羅里指揮英國皇家愛樂演奏西貝流士第二號交響曲的LP是Chesky於1986年發行的復刻片。其原版是出自讀者文摘 – “Treasury Of Great Music” 12張LP盒裝唱片中的第9張。製作人是Charles Gerhardt，錄音師是Kenneth E. Wilkinson。錄製時間是1962年10月9日，地點在英國倫敦Walthamstow Assembly Hall。
約翰巴畢羅里(1899-1970)以其詮釋艾爾加、弗漢威廉斯和馬勒的作品聞名，除此之外，我覺得他對普契尼、戴流士和西貝流士的音樂詮釋也相當不錯。他從四歲開始學小提琴，後來轉到大提琴，加上具有音樂的家世背景，使他很善於處理長樂句的線條。西貝流士的第二號交響曲是他七首交響曲中最受歡迎的一首，不過也是蠻考驗指揮功力的一首交響曲，因為這首交響曲並非由一般明確的主題構成，而是由看似零散的小動機所組成的樂句構成，如同拼圖一般。指揮必須知道如何將這些樂段整合起來創造出音樂整體感和前進的動力，並且能在動機發展、樂曲結構與高度戲劇性的對比之間取得平衡。若處理不當，音樂聽起來很容易造成支離破碎或是拖沓乏味。其中關鍵的挑戰包括：如何駕馭結構鬆散的第一樂章。面對許多彈性速度與留白(休止符)的第二樂章，如何保持強烈的情緒張力與前後樂段的聯繫。第三樂章是極其生動活潑的快板(Vivacissimo)，在此快板樂段，弦樂必須以極高的精準度演奏，這頗具挑戰性。同時，指揮必須掌握從第三樂章中段第二次出現的Lento e suave(溫柔的慢板)然後逐漸加快過渡到終曲。這個三、四樂章之間不間斷的過渡樂段極其重要，如何鋪陳、醞釀與層層堆疊，好將音樂張力與情緒推到第四樂章的音樂高潮，可以說是最引人矚目與期待的精彩樂段。以上所述，是在我一邊讀總譜一邊聆聽這張唱片之後所得到的啟發。然而，這些難度與挑戰對巴畢羅里來說，根本毫無問題。
巴畢羅里指揮的這首交響曲，演奏得光彩奪目，充滿活力。最重要的是，在第四樂章巴畢羅里傳遞出一種激動人心且極具感染力的喜悅之情。在錄音方面，我聽到絕佳的透明度與活生感，每個樂器聲部的定位及前後層次都十分清晰，彷彿坐在音樂廳現場的感覺。弦樂演奏的聲音不但具有凝聚力，而且音色還帶有光澤。Highly Recommend!
Label: Chesky Records CR-3
180g LP/33 rpm/Stereo
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
奧地利裔美國鋼琴家魯道夫賽爾金擅長詮釋20世紀德奧樂派鍵盤曲目，他長年專注於研究巴赫、莫札特、貝多芬和布拉姆斯的鋼琴作品，尤其以他對貝多芬和布拉姆斯作品的有力、直接而樸素的詮釋聞名。賽爾金不僅憑藉其精湛琴藝活躍於舞台，並且對年輕世代音樂家留下了獨特而深遠的影響。他在1951年於美國佛蒙特州Marlboro成立Marlboro Music Festival ，花費四十年的時間培養一代又一代的音樂家對室內樂的喜愛，直到1991年他去世為止。這個長年所累積的成果，已對室內樂的發展發揮了舉足輕重的影響。
他與奧曼第在1960年合作錄製的這張布拉姆斯第二號鋼琴協奏曲唱片，可以被視為未被發現的瑰寶。這張錄音充份展現鋼琴家的特質 – 「質樸」。賽爾金不是炫技型的鋼琴家，而是獻身於音樂作品的鋼琴家；這並非暗示賽爾金的鋼琴技巧平庸，或只是嚴格地照譜彈奏而已。而是他能深刻洞悉在音符背後作曲家想要表達的意念，並適時地在樂句轉折之間或是強弱變化之間，給予一些空間做微妙的彈性處理；使音樂沈穩從容，細緻內斂。他的樂句處理清晰完整而富歌唱性，但不流於感傷。他對此協奏曲的掌控力十分出色，尤其彈奏第三樂章極其複雜的左右手不對稱的切分音節奏，完全游刃有餘。我認為賽爾金的音樂詮釋非常契合布拉姆斯的音樂風格，就是秉持古典時期的典雅、嚴謹但不失十九世紀浪漫主義的情懷。 布拉姆斯的這首降B大調第二號鋼琴協奏曲有交響曲般的結構，但是管弦樂法卻近似室內樂的規模。奧曼第深諳賽爾金的演奏風格，輕鬆駕馭樂團，與鋼琴有非常良好的互動，加上飽滿且富有張力的弦樂以及渾然一體的管弦樂合奏，呈現出一種厚重的音樂感。這種樂感通常在北美樂團較難聽到。此外，值得一提的是第三樂章 — 行板中的大提琴獨奏音色十分優美，這極富深刻內省的演奏與毫不嬌柔造作的鋼琴對話，呈現完美的音樂平衡。整體而言，這是一個非常精彩又深具內涵的演奏。如果你能找到片況如新的「六眼」哥倫比亞第一版，那就更幸運了。
Label: Columbia Masterworks – MS 6156
Vinyl/33 rpm/Stereo/Six-eye
Albums of the month / March
本月唱片推薦
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
巴赫的大提琴無伴奏組曲，相信古典樂迷應該都不陌生。但是像這一張用低音大提琴演奏的錄音版本，大多數樂迷應該很少見過。Edgar Meyer是美國知名低音大提琴家兼作曲家，他的演奏風格相當多元，橫跨古典音樂、爵士樂及藍草音樂(Bluegrass Music)，他曾經得過七次葛萊美獎，在樂壇相當活躍。Meyer 不愧是一位技藝精湛的演奏家，他所演奏的巴赫音樂，很容易吸引你專注地傾聽，因而忽略了用低音提琴演奏此曲的難度。例如：G大調第一號組曲與C小調第五號組曲中的吉格舞曲(Gigue)，音樂不但流暢而且展現靈活的指法與把位變換。另外，在慢板的撒拉邦舞曲(Sarabande) 中，Meyer的低音提琴傳達出比大提琴更低沉渾厚的音色以及深邃內斂的情感表達。欣賞這麼優美的演奏，我完全不覺得低音提琴演奏有任何笨重的感覺。無論從欣賞或是從新穎獨特的角度來看這張錄音，都值得收藏。
LabeL: Sony Classical
CD/Stereo/Stereophile Records 2 Live 4
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張於1968年發行的唱片，在今年終於被選入發燒唱片榜單，就是2026年Stereophile“Records 2 Live 4”的榜單；演奏曲目是郭德馬克的降E大調第一號交響曲，又名《鄉村婚禮》交響曲，此曲大概是郭德馬克唯一經常被演出的管弦樂作品。曲名雖然是交響曲，倒不如說是組曲，因為這部作品的曲式並不符合傳統交響曲的標準結構。儘管如此，仍絲毫不影響其受歡迎的程度。這首交響曲由五個樂章組成，每一個樂章都附有標題，類似白遼士的《幻想交響曲》；創作於1875年，曾受到郭德馬克的好友布拉姆斯的高度推崇，而上個世紀已故指揮家畢勤和伯恩斯坦兩位大師也鍾愛這首充滿中歐魅力、歡樂與幽默的作品。此曲充分展現郭德馬克的作曲才華，雖然它跳脫標準交響曲的型式，然而，作品的結構精巧，旋律優美動聽以及管絃樂法成熟洗練，這些都是它吸引人的特色。尤其是第一樂章結婚進行曲，它其實就是一首富有13段精妙絕倫的變奏曲；它們不僅呈現豐富的和聲、節拍、速度與調性的變化，在節奏設計方面也頗富巧思。例如在第九段的降e小調3/8拍變奏曲，伴奏聲部是三拍的節奏型態，但是小提琴與木管樂器所演奏的主旋律卻是屬於二連音的節奏語言；因此產生「二對三」的對比與張力。如此 sophisticated 創意真是令我讚嘆！難怪布拉姆斯對郭德馬克說：“That is the best thing you have done; clear-cut and faultless, it sprang into being a finished thing, like Minerva from the head of Jupiter”. (“Minerva” 通常指羅馬神話中智慧、藝術與戰爭策略的女神)。在演奏方面，伯恩斯坦對於此曲的詮釋充滿活力，他猶如一位畫家揮灑出生動活潑的管弦樂色彩，同時也巧妙地勾勒出精緻細膩的音樂表情。至於錄音方面，無論在樂器聲音質感、音場寬深、樂器定位、動態對比和空間感等方面，這張唱片絕對夠資格列為示範級的管弦樂發燒錄音。尤其是豐沛的弦樂聲部，充滿包圍感，若是和史托科夫斯基的 “Rhapsodies” 錄音相比，也毫不遜色。
Label: Columbia MS 7261
Vinyl/33 rpm/Stereo/Stereophile Records 2 Live 4
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這個錄音是罕見的英國管獨奏錄音專輯，旋律相當動聽。封面標題名為：Bel Canto(美聲唱法)，意指演奏曲目專注於18世紀到19世紀初美聲唱法時期寫給英國管的作品。獨奏者是波多黎各裔的美國English Horn演奏家 – Pedro R Díaz，他於2005年考進紐約大都會歌劇院管弦樂團直到現在。他同時也是廣受歡迎的教師，任教於美國一些頂尖音樂學院，諸如：朱莉亞音樂院、曼哈頓音樂院、伊斯曼音樂院及哈特音樂院等名校。此外，他也經常受邀至世界各地舉辦大師班。Diaz對英國管這個樂器的貢獻還不止於他的演奏與教學而已，他還熱衷於投入英國管與相關演奏曲目的研究。Donizetti這首《F大調小協奏曲》就是他多年學術研究的結晶，而重現了英國管鮮活的歷史。他在一次前往義大利貝加莫(Bergamo, Donizetti的故鄉)和波隆納(Bologna)的朝聖之旅中，意外地發現Donizetti這首《F大調小協奏曲》的原始管弦樂套譜，這是此前從未公開過的。隨後，Diaz幫助恢復這首作品最初的創作意圖，然後出版此曲的校訂版，並完成這個錄音。Diaz的演奏不但技巧精湛，而且音色優美均勻，樂句連貫流暢，突顯了「美聲唱法」的抒情風格。當我聽第一首Donizetti《F大調小協奏曲》時，就在英國管第一個樂句吹完後的瞬間，便深深吸引我的注意；我很少聽到有人可以將英國管吹得如此優美又兼具豐富的音樂性。如果把英國管比擬成人聲的話，Diaz的演奏簡直就像一位男中音在唱歌似的，這幾乎是管樂器表達Bel Canto的最高境界了！
Label: The Audiophile Society
Original Recording Format: HI-Res PCM/Stereo
Albums of the month / February
本月唱片推薦
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
如果你已經有杜拉第指揮Minneapolis Symphony Orchestra (現已改名為Minnesota Orchestra)演奏科普蘭管弦樂作品的Mercury Living Presence ED 1黑膠唱片(SR 90172)，那麼，很有可能會忽略這張同樣是杜拉第指揮幾乎同樣作品的Decca早期數位錄音。因為很多人認爲數位錄音怎能跟類比錄音相比較呢？其實不然喔！首先，先簡單地介紹杜拉第(Antal Doráti, 1906-1988)，這位匈牙利裔美國籍指揮家。杜拉第早年就讀李斯特音樂院時，跟柯大宜學作曲，跟巴爾托克學鋼琴。這些學習背景，可能造就他對樂團的平衡、管弦樂色彩和節奏感具有特別敏銳的感知能力。因此，他對史特拉汶斯基、巴爾托克、科大宜以及科普蘭等人的作品演奏，總是呈現緊湊、充滿活力、音樂層次分明的特色。這樣的指揮風格加上Mercury Living Presence 生動、逼真、大動態對比的錄音特色，真可說是絕配；尤其是大鼓或定音鼓強勁的衝擊力更是吸引音響迷的耳朵！杜拉第錄製Mercury – SR 90172這張唱片時，是51歲，時隔24年，他再度錄製科普蘭的作品時已經75歲了，然而，演奏速度並沒有慢下來，仍舊活力充沛。倒是唱片公司換成Decca，錄音師是James Lock，樂團是底特律交響樂團。這兩個錄音版本有何差別？Decca的數位錄音版值得收藏嗎？我的答案是肯定的，其最主要的原因是錄音師的功力。這張Decca版的聲音呈現比較豐富的堂音，樂器的音色比較豐潤，樂團的位置比較遠，弦樂高把位的音色也比較優美。Mercury版本的聲音比較直接，細節豐富，樂團位置比較近，樂器音色較飽滿。雖然，有些評論家認爲杜拉第早期的音樂詮釋比較簡潔、理性，缺乏溫暖與感性。不過，這張1981年的錄音，杜拉第的詮釋風格已經稍微改變。例如：在SideB， “Four Dance Episodes From Rode” 中的第二樂章：Corral Nocturne與第三樂章：Saturday Night Waltz，杜拉第的處理比以前更抒情迷人。其實，無論是Mercury或是Decca版本，都各具特色，值得收藏。況且，這張Decca早期數位版的行情價算是低的，錯過了可惜。
Label: Decca
Vinyl/33 rpm/Stereo
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張華爾頓的降b小調第一號交響曲是由RCA錄製，於1967年發行，演奏者是英國指揮家普列文指揮倫敦交響樂團。根據我搜尋的結果，這個版本應該是這個曲目首次在美國發行的唱片。英國作曲家威廉華爾頓(William Waltom, 1902-1983)是一位慢工出細活，對音樂一絲不苟的完美主義者。在他漫長的職業生涯中，作品數量並不算多；至於這首第一號交響曲，則是他的重要作品之一，同時也被視爲繼艾爾加、佛漢威廉斯之後，英國最著名的交響曲之一。此曲在1935年完整地首演之後，很快地引起在歐洲大陸的福特萬格勒與孟格堡的興趣，後來也陸續引起美國奧曼第以及賽爾的注意。從此曲可以看到華爾頓精湛熟練的管弦樂法，與嚴謹的樂曲結構和邏輯。此外，無論是管樂或是弦樂，在樂器演奏語法方面，都有充分的發揮。雖然是兩管編制的管弦樂團，但是在某些樂段，可以感覺到猶如三管編制的效果。在調性運用方面，作曲家跳脫古典時期傳統調性的框架，和聲處理手法更加自由；華爾頓並不倚賴調性關係來維繫整首交響曲的關聯性，而是以音樂情感的傳達與轉變以達到精神上貫穿樂曲的統一性。從第一樂章降B小調，即充滿悲劇性的焦慮感，經過第二樂章急促不安且無中段的詼諧曲轉變到第三樂章哀婉的行板，樂曲始終籠罩在陰鬱晦暗的氣氛中，直到第四樂章–終曲，終於呈現明朗的降B大調，第二段還出現精彩的賦格樂段與兩套定音鼓的演奏，最後以華麗的尾奏結束全曲。從這裡不難看出此曲在結構與動機發展方面受到貝多芬的影響，然而音樂曲風頗受到西貝流士的影響。在演奏方面，無論在哪一個樂章，普烈文始終保持音樂的張力，直到終曲，迸發出熱情與活力，呈現恢宏的氣勢；非常令人欽佩，他不愧是華爾頓交響曲的代言人。他總共錄製過這首交響曲兩次，第一次就是這個1967年的RCA版本，另外一次是由Telarc錄製，於1987年發行的版本(只有CD)。以演奏和錄音來說，RCA版本明顯好很多，即使指揮都是同一位。因為1960年代的倫敦交響樂團，其演奏水準非常的高，加上James Lock傑出錄音的幫襯，使得這張唱片更具藏價值。James Lock 善於捕捉錄音空間中的微弱細節，使樂團中各聲部的聲音清晰分明。不過，這首交響曲可能不太適合古典音樂入門者欣賞，但是，如果你喜歡華格納的半音階和聲處理手法，甚至著迷於理查史特勞斯或馬勒的管弦樂曲；那更應該聽聽華爾頓的第一號交響曲，它將開拓你的音樂視野。
Label: RCA LSC-2927
Vinyl/33 rpm/Stereo/TAS
★★★★★ 評分 4.7（滿分 5）
這張聖桑第三號交響曲《管風琴》的錄音時間是1982年6月，地點在加拿大蒙特婁的聖尤斯塔什教堂( St. Eustache Church)，錄音師就是James Lock。James Lock 精湛錄音技術的關鍵之一在於對錄音場所的聲學狀況具有高度敏銳的知覺。他最喜歡的錄音場所是位於倫敦的Kingsway Hall。很可惜的是，這個聞名於古典音樂錄音界的錄音場所，已於1998年拆除。在1980年初，Decca唱片公司與加拿大蒙特婁交響樂團簽訂錄音合約之後，James Lock為了給這個樂團找到合適的錄音場地，他花了近一年的時間，考察不下40個場地，最後，終於發現聖尤斯塔什教堂是最理想的錄音場所。從此，自1981年開始，杜特華指揮蒙特婁交響樂團的Decca錄音，幾乎都在這裡錄製。透過聆聽這張杜特華指揮的聖桑《管風琴》交響曲，我聽到厚實飽滿的低音弦樂，音質優美小提琴聲部。至於中提琴聲音如何呢？嗯，我這麼說好了，一般的管弦樂錄音，當弦樂整體合奏時，經常聽不到中提琴這個內聲部樂器的聲音。然而這個錄音，讓我體會到中提琴聲部在弦樂合奏中的重要性。這首交響曲非常考驗錄音師的功力，除了樂團與管風琴的平衡之外，錄音場地的殘響值也必須控制得宜。因為第一樂章中庸的快板樂段，弦樂、管樂有許多16音符，殘響如果太長，聲音會糊成一團；太短，聲音又太乾。而這個版本的殘響控制完全恰到好處，空間感也不錯。樂團中各聲部的強弱細節都清晰可聞，層次分明。例如：在第一樂章第二部分Poco Adagio樂段，第一小提琴、中提琴與大提琴三個聲部各相差一個八度同時演奏同一個主題時，聲音不但清晰可辨而且音色融合。又如：第二樂章後半段Maestoso樂段，第三部長號與低音號相差一個八度吹奏 “Dies irae”主題時，聲音渾厚飽滿，相差一個八度的音高也清晰可聞。在音場表現方面，定位清晰且音場既寬又深，雙鈸(crash cymbals)的位置在樂團的右後方，已經深到喇叭後牆， 而且超出右邊喇叭了。另外，必須一提的是這首交響曲的管風琴表現；管風琴的聲音低沉有規模感，而且可以輕易聽到低音踏板的演奏。在大音量演奏時，氣勢恢弘。至於演奏方面，法國作曲家的音樂一項是杜特華拿手的曲目，他的指揮風格優雅細緻，音樂流暢。整體來說，這張演奏錄音俱佳的唱片，非常值得收藏。
label: LOndon
Vinyl/33 rpm/Stereo
Albums of the month / January Vol. 2
本月唱片推薦
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張德佛札克《A小調小提琴協奏曲》與拉威爾的《吉普賽狂想曲》錄音，是由德國小提琴家Edith Peinemann (1937-2023)擔任獨奏，瑞士指揮家Peter Maag指揮捷克愛樂管弦樂團。Edith Peinemann 在19歲即贏得1956年慕尼黑ARD國際音樂比賽大獎，而且曾被授予Eugène Ysaÿe 獎章，與David Oistrakh, Leonid Kogan 和 Arthur Grumiaux等大師一樣，獲得這個享有盛名的榮譽。可惜，她的事業巔峰時期只到1970年代左右，到80年代，因為投入教學工作，逐漸淡出舞台。所以時至今日，她的知名度並不高，唱片公司幫她發行的錄音也很少。甚至在她於2023年二月逝世的時候，德國及歐洲主流媒體竟然隻字未提？雖然Peinemann是一位被低估的音樂家，然而，她的音樂天賦與精湛技藝絕非等閒之輩。從當時許多著名指揮家都爭相邀請她合作演出協奏曲即可證明；例如：William Steinberg 、George Szell 等指揮大師都非常賞識她的才華。Peinemann以擅長詮釋後浪漫樂派和二十世紀當代作品聞名。這張德佛札克的《A小調小提琴協奏曲》與拉威爾的《吉普賽狂想曲》錄音，可以說是她少量錄音中，最受歡迎的一張。她的運弓無論速度快慢，都十分平穩，聲音凝聚，一聽便知具有相當深厚的功力。左手揉弦恰如其分，完全不過分矯飾。她的分句與構思清晰完整，而不是只強調演奏技巧而已。同時，我也發現Peter Maag 是一位相當優秀的協奏曲指揮，他與Peinemann合作無間，協調性非常高。例如在第三樂章3/8 拍的Allegro giocoso, ma non troppo轉換到2/4拍L’istesso tempo的地方，速度掌握得相當好，完美地呈現速度與節拍變化的對比性。Peinemann的提琴音色具有一種質樸兼具溫暖的特質，讓我更能直接聽到音樂作品的內涵。她所演奏的小提琴是一把 1732 年的 ‘ Guarneri ‘del Gesù’ ，當她演奏E弦高把位的樂句時，發出如絲綢般高貴柔美的音色，相當吸引人。錄音師是Deutsche Grammophon的台柱Günter Hermanns，他的錄音作品很少有敗筆。雖然頭版–大花板(Big tulips crown) 的二手行情不低，但是那兼具醇厚與細緻的音質，值得黑膠迷收藏。
Label: Deutsche Grammophon
Vinyl/33rpm/Stereo/Big tulips crown
★★★★★ 評分 4.6（滿分 5）
這是一張演奏精緻優美而且相當難得的小提琴與鋼琴的錄音，小提琴演奏是Miriam Fried (1946 ~ )，她是一位羅馬尼亞出生的以色列小提琴家。她曾獲得1968年日內瓦帕格尼尼小提琴大賽以及1971年布魯塞爾伊麗莎白皇后小提琴大賽的兩項首獎；Miriam Fried目前任教於美國新英格蘭音樂院，多年來一直被公認為世界頂尖小提琴家之一，而且以卓越的音樂造詣與教學熱忱而備受讚譽。她的演奏曾受到美國古典音樂界權威雜誌– “Musical America” 評為：「熾熱的激情與深沉的情感」。鋼琴伴奏是比利時鋼琴家Jean-Claude Vanden Eynden(1947 ~ )，他在1964年16歲時，即獲得伊麗莎白皇后鋼琴大賽第三名。本張唱片收錄的曲目全是捷克作曲家的作品，包括德佛札克、楊那傑克及史麥塔納等三首小提琴與鋼琴的作品。這三首樂曲除了德佛札克的作品外，其餘兩首雖然不是室內樂作品中的熱門曲目，但是Miriam Fried和Jean-Claude Vanden Eynden的演奏相當精彩，很有可聽性。只要仔細聆聽，你將會發現這兩位音樂家的演奏呈現出無與倫比的合作默契；無論是主題或動機銜接、強弱變化、表情符號處理、甚至音樂想法等等，都達到相當高的一致性。尤其是楊那傑克的奏鳴曲，它一向被認爲是一首演奏技巧與合奏難度高的作品。而這個錄音，小提琴與鋼琴之間親密的對話式演奏風格與細心琢磨的樂句處理，都非常具有說服力。唯一可惜的是這張LP的厚度有一點薄，可能連150克都不到，導致樂器的音質只能算是普通等級，畢竟Miriam Fried所使用的樂器是一把 1718 年的Stradivarius名琴啊！還好唱片底噪低，仍能欣賞到兩位演奏家細緻的詮釋。我個人認為，以欣賞音樂的角度來看，這張LP如同是一顆被隱藏的寶石，十分具有收藏價值。況且，目前在任何串流音樂平台都搜尋不到這個錄音，只能在二手市場碰運氣了。
Label: Fontec Records / Queen Elisabeth Competition
Vinyl/33rpm/Stereo
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
Erica Morini (1904 – 1995) 是奧地利裔的美國小提琴家，她可能是最早建立起長期、高水平且享譽國際樂壇的女性小提琴家之一。在她那個年代，國際古典樂壇幾乎是男性主宰整個市場，而Morini的琴藝可以好到令海飛茲都十分欽佩，實在罕見。她二十歲的時候，已經是一位經驗豐富的演奏家。那一年，她的父親Oscar Morini為她購買了一把價值一萬美元的史特拉蒂瓦里小提琴；這把琴製作於 1727 年，並以俄國大提琴家Karl Davydov的名字命名。此後，這把琴很快就成為Morini最鍾愛的樂器，也是她演奏生涯中最珍貴的收藏。沒想到，1995年10月，Morini去世前不久，當時她人在醫院，這把名琴連同她的畫作、書信和帶有註釋的樂譜一起從她居住的紐約市公寓中被盜走。這起至今未被偵破的竊盜案件，仍名列為美國FBI 的「十大藝術品犯罪」之列 “Top Ten Art Crimes”。回到這張錄音的演奏曲目，side 1是熱門的布魯赫g小調第一號小提琴協奏曲，side 2是葛拉祖諾夫a小調小提琴協奏曲。我特別推薦 Erica Morini 演奏葛拉祖諾夫的這首協奏曲。這首協奏曲是有名的高難度協奏曲，例如：第一樂章末段準備進入第二樂章前的小提琴裝飾樂句(Cadenza)是非常具有挑戰性的樂段；這裡面大量使用Double-Stopping演奏技巧，而且是兩聲部的對位旋律。演奏者除了須盡力保持兩個對位主題的清晰完整性之外，還要掌握速度與節奏的穩定和準確。接著在32分音符樂句中出現許多令人生畏的臨時記號，演奏者要十分有把握的掌握其音準的一致性，實屬不易。此外，葛拉祖諾夫的管弦樂法也相當精彩，它有點不同於其他主流協奏曲的色彩，例如：第一樂章中提琴與第二部低音管演奏相同樂句時所融合出的音色，還有第二樂章小提琴的自然泛音與三角鐵的音色融合等。Erica Morini游刃有餘的精湛技藝加上指揮Ferenc Fricsay注重細節的讀譜功力，將此曲的神采和氣勢表現得淋瀝盡致。非常值得收藏。
Label: Deutsche Grammophon
Vinyl/33rpm/Stereo
Albums of the month / January Vol. 1
本月唱片推薦
★★★★★ 評分 5（滿分 5）
這張1982年在英國倫敦皇家節慶音樂廳，由鋼琴家米開蘭基里與傑利畢達克合作的傳奇錄音，如今終於發行唱片，可說是個奇蹟，也是廣大樂迷們的福音。因為不知何故，當年竟然只發行錄影帶而已 (現在可以在YouTube上看到)。沒想到事隔四十年，這個幾乎被遺忘的原始類比母帶竟然在BBC的檔案室裡被意外的發現！讓當年這場充滿傳奇且具有歷史意義的現場音樂會錄音重現於世。眾所周知，米開蘭基里是一位極度要求演出品質的音樂家；他有可能因為隨身攜帶的鋼琴無法展現他心中所想要描繪的音樂色彩而臨時取消演出；即便在音樂會前最後一刻也毫不猶豫地做此決定。另外，談到著名指揮家傑利畢達克，他一向強烈反對任何形式的錄音。他認為「音樂是時間的藝術」；在他看來，麥克風雖可收錄很多聲音細節，卻無法捕捉到所有豐富的和聲；更無法讓音響重播系統前的聽眾理解他根據演出場所的聲學條件與演奏當下所選擇速度的用意。我認為，他的觀點對於具有豐富演出經驗的音樂家與資深的concertgoers來說，一定能深深體會。這兩位二十世紀的音樂界傳奇人物自60年代末以來所建立的互信和默契，以及他們對音樂的極致追求與深刻理解，都在這張唱片裡展露無遺；加上優秀的錄音和刻片品質，這絕對是唱片收藏家不可錯過的珍品！
Label: THE LOST RECORDINGS
180g LP/45 rpm/Stereo/ Limited Edition, Numbered
★★★★★ 評分 4.3（滿分 5）
這張稀有的錄音，展現布蘭德爾對李斯特鋼琴作品的詮釋精髓。他以詮釋貝多芬、舒伯特與李斯特的鋼琴作品聞名。他在VOX 唱片公司所灌錄的貝多芬鋼琴作品全集贏得1965年的法國唱片大獎 (Grand Prix du Disque)。這張由美國Turnabout唱片公司發行的黑膠唱片，其錄音時間是1969年，地點在維也納音樂協會的金色大廳。指揮是德國著名指揮家Michael Gielen。收錄曲目分別是Side A:《流浪者幻想曲》，這首是李斯特改編自舒伯特的鋼琴作品– “Wanderer Fantasy, D. 760”，李斯特將它改編成鋼琴與管弦樂團的協奏曲。Side B 第一首是 “Totentanz” 《死之舞》 “Totentanz For Piano And Orchestra”，這是大家所熟悉的李斯特兩首鋼琴協奏曲之外的另一首鋼琴與管弦樂團作品。第二首是 “Czardas Macabre” 《死神查爾達斯舞曲》。李斯特與舒曼一樣都非常欣賞舒伯特的音樂才華，而李斯特更是舒伯特的忠實仰慕者。他改編許多舒伯特的藝術歌曲與鋼琴作品，並在他自己的巡迴音樂會上將這些作品介紹給廣泛的聽眾，大大地提升舒伯特的知名度。因為在十九世紀初，舒伯特的知名度很低，他的作品鮮為人知。布蘭德爾所演奏的這首《流浪者幻想曲》，既保留舒伯特音樂的抒情性，同時也展現李斯特作品該有的精湛琴藝。錄音曲目中唯一的一首鋼琴獨奏是“Czardas Macabre”，這是李斯特於1882年至1883年之間在威尼斯所譜寫的作品，剛好就在華格納於1883年二月在威尼斯去世之前不久之際。其靈感可能來自他目睹葬禮隊伍莊嚴肅穆的景象。嚴格說來，李斯特的這首 “Czardas Macabre” 並不算是真正的查爾達斯舞曲。一般的查爾達斯舞曲特點是具有不同的速度變化；通常從慢的速度(lassú)開始，最後以非常快的速度(friss)結束。然而，李斯特的《死神查爾達斯舞曲》卻是快板開始，然後一路到底，而且大膽使用平行八度、平行五度與不協和音程。此張唱片的錄音效果不錯，錄音師透過麥克風捕捉到維也納金色大廳良好的殘響與空間感。可惜的是，Turnabout的壓片品質不是很好，減損了這張優秀演奏錄音的價值。
Label: Turnabout
Vinyl/33 rpm/Stereo
★★★★★ 評分 4.7（滿分 5）
這張是波里尼於1960年4月在倫敦Abbey Road錄音室的錄音，當年波里尼才18歲，就在錄音前一個多月，波里尼剛贏得第六屆蕭邦國際鋼琴大賽第一名。然而，他並沒有像一般的大賽得獎者，開始穿梭於全世界各地的音樂廳之間，忙碌於頻繁的音樂會。而是取消演出邀約將近一年半的時間。對於一位剛獲得大獎的明日之星而言，一年半算是有一點久。也許大家不禁好奇著問，此刻有什麼比演出更重要的事呢？原來，他跑到義大利Bolzano去跟米開蘭基里拜師學琴，他在那裡待了將近半年的時間。米開蘭基里針對波里尼的程度精挑細選曲目並嚴格要求，例如運用更有效的指法處理困難的樂句。並且，波里尼從中獲得了如何掌握「精準技巧」和「情感克制」之間的平衡。他這種謙虛好學的精神實在令人敬佩。這個錄音可以聽到波里尼無與倫比的音樂天份與精湛琴藝。第一樂章那種如行雲流水般的快速音群，以及清晰澄澈的音色，相當出色。第二樂章，豐富的歌唱性與細膩而富詩意的樂句處理，實在美極了。我一點也不驚訝這張唱片早已經是眾多「蕭邦第一號鋼琴協奏曲」錄音中的名盤。如果你手上有這張唱片的EMI ED1(白金標—Gold-Cream label)，那要恭喜你了。因為這張ED1 頭版的價錢已漲到英鎊一百多元。我只收到Hi-Q Records的復刻版，價錢只有美金$40。不過，它是使用原始類比母帶，在Abbey Road錄音室進行刻片，復刻品質不錯。當我用洗唱片機清洗過後，音質及透明度也明顯提升一些。因此我大力推薦這個復刻版。
Label: Hi-Q Records/ EMI
180g LP/33 rpm/Stereo