Albums of the month / April
本月唱片推薦
★★★★★ Rated 5 out of 5
這個兩張一套的CD是英國指揮家John Eliot Gardiner於1988年4月錄製的巴赫《馬太受難曲》。從1723年開始，德國萊比錫巿議會聘請巴赫出任聖湯瑪斯學校合唱團（Thomaskantor）的音樂總監，這份工作其實非常吃重，但也是這一段時間(1723-1750)，是巴赫教會音樂最多產的時期。當時，萊比錫「受難節」的傳統是在受難日 (Good Friday) 晚禱時間，在教會演出《受難曲》來記念基督的十字架受死。因此，巴赫在任職的第一年創作《約翰受難曲》，並於1724年首演，接著在1727年完成《馬太受難曲》，於同年4月11日(Good Friday)於萊比錫 St. Thomas Church首演；之後的幾年內先後演出三次，但反應不佳，自此落入束之高閣的命運。一直到1829年，約《馬太受難曲》問世的一百年後，孟德爾頌經恩師策爾特（C. F. Zelter, 1758-1832）的鼓勵，親自指揮復演《馬太受難曲》，結果造成極大轟動，連帶使得去世後被埋沒多年的巴赫，終於在十九世紀受到重視而獲得被重新評價的機會。《馬太受難曲》偉大之處在於這部作品把人類面對基督受難時，將痛苦、凌辱、磨難、愛和喜悅等各種極其複雜和難以言喻的情感，表達得淋漓盡致！使得在深邃超凡的音樂裡，引導會眾更加深刻理解耶穌基督從死裡復活，帶給全世界的人永生的盼望。
巴赫在創作生涯中從未寫過歌劇，然而這部演出時間長達兩個半小時的作品，其戲劇性和音樂表現力一點也不亞於歌劇。巴赫精心佈局各聲部的獨唱與合唱，連樂器的搭配也很講究。例如：當一般人說話時(宣敘調)，僅有管風琴以簡單的數字低音伴奏；只有基督的宣敍調是用弦樂伴奏，造成一種弦樂光環包覆的效果，可是當耶穌被釘在十字架上，最後呼喊：「我的神！我的神！為什麼離棄我」（Eli, Eli lama asabthani）時，光環消失，只剩管風琴伴奏。這個安排充滿神學思維，彷彿天父此時離開，沒有與基督同在，任由可怕的刑罰臨到祂的獨生愛子。
此外，巴赫拋棄了傳統歌劇的創作手法，就是認為宣敘調僅僅是進入詠嘆調的經過句的這項觀念。相反地，他使宣敘調和詠嘆調之間產生更緊密的聯結，使前者可被理解為後者的導奏。在此部作品中的群眾合唱也扮演重要的角色，它不僅帶來戲劇張力，還具備結構上的重要性，最顯著者莫過於樂曲開端和結束的大型合唱，這些聖詠合唱雖未參與戲劇的情節發展，卻構成這部劇力萬鈞之作的中流砥柱。其中最著名的聖詠就是No. 54 — 「哦！這滿是鮮血創傷的頭顱」，這段聖詠的旋律在整個受難曲中重覆使用數次。這個旋律其實是16世紀德國作曲家Hans Leo Hassler (1562-1612) 所創作，巴赫借來引用。他遵循四部合唱的傳統編制，然而，和聲運用的手法顯得豐富又細膩。
John Eliot Gardiner以擅長詮釋巴赫音樂聞名，他既有豐富的學術根基又具備深刻的音樂洞察力；他不執著於學究派也不像現今新世代指揮，為吸引大眾目光，刻意凸顯矯情浮誇的作風，而忽略巴赫音樂的藝術本質與其宗教信仰的精神內涵。Maestro Gardiner於1988年在英國Snape Maltings Concert Hall錄製的這套《馬太受難曲》，至今仍然是經典名盤，綜合演奏詮釋、聲樂家陣容及錄音等三方面，它已達到相當高的成就，我認為至今為止，應該不容易被超越。
Label: Archiv Produktion
CD/Stereo
★★★★★ Rated 5 out of 5
這張由巴畢羅里指揮英國皇家愛樂演奏西貝流士第二號交響曲的LP是Chesky於1986年發行的復刻片。其原版是出自讀者文摘 – “Treasury Of Great Music” 12張LP盒裝唱片中的第9張。製作人是Charles Gerhardt，錄音師是Kenneth E. Wilkinson。錄製時間是1962年10月9日，地點在英國倫敦Walthamstow Assembly Hall。
約翰巴畢羅里(1899-1970)以其詮釋艾爾加、弗漢威廉斯和馬勒的作品聞名，除此之外，我覺得他對普契尼、戴流士和西貝流士的音樂詮釋也相當不錯。他從四歲開始學小提琴，後來轉到大提琴，加上具有音樂的家世背景，使他很善於處理長樂句的線條。西貝流士的第二號交響曲是他七首交響曲中最受歡迎的一首，不過也是蠻考驗指揮功力的一首交響曲，因為這首交響曲並非由一般明確的主題構成，而是由看似零散的小動機所組成的樂句構成，如同拼圖一般。指揮必須知道如何將這些樂段整合起來創造出音樂整體感和前進的動力，並且能在動機發展、樂曲結構與高度戲劇性的對比之間取得平衡。若處理不當，音樂聽起來很容易造成支離破碎或是拖沓乏味。其中關鍵的挑戰包括：如何駕馭結構鬆散的第一樂章。面對許多彈性速度與留白(休止符)的第二樂章，如何保持強烈的情緒張力與前後樂段的聯繫。第三樂章是極其生動活潑的快板(Vivacissimo)，在此快板樂段，弦樂必須以極高的精準度演奏，這頗具挑戰性。同時，指揮必須掌握從第三樂章中段第二次出現的Lento e suave(溫柔的慢板)然後逐漸加快過渡到終曲。這個三、四樂章之間不間斷的過渡樂段極其重要，如何鋪陳、醞釀與層層堆疊，好將音樂張力與情緒推到第四樂章的音樂高潮，可以說是最引人矚目與期待的精彩樂段。以上所述，是在我一邊讀總譜一邊聆聽這張唱片之後所得到的啟發。然而，這些難度與挑戰對巴畢羅里來說，根本毫無問題。
巴畢羅里指揮的這首交響曲，演奏得光彩奪目，充滿活力。最重要的是，在第四樂章巴畢羅里傳遞出一種激動人心且極具感染力的喜悅之情。在錄音方面，我聽到絕佳的透明度與活生感，每個樂器聲部的定位及前後層次都十分清晰，彷彿坐在音樂廳現場的感覺。弦樂演奏的聲音不但具有凝聚力，而且音色還帶有光澤。Highly Recommend!
Label: Chesky Records CR-3
180g LP/33 rpm/Stereo
★★★★★ Rated 5 out of 5
奧地利裔美國鋼琴家魯道夫賽爾金擅長詮釋20世紀德奧樂派鍵盤曲目，他長年專注於研究巴赫、莫札特、貝多芬和布拉姆斯的鋼琴作品，尤其以他對貝多芬和布拉姆斯作品的有力、直接而樸素的詮釋聞名。賽爾金不僅憑藉其精湛琴藝活躍於舞台，並且對年輕世代音樂家留下了獨特而深遠的影響。他在1951年於美國佛蒙特州Marlboro成立Marlboro Music Festival ，花費四十年的時間培養一代又一代的音樂家對室內樂的喜愛，直到1991年他去世為止。這個長年所累積的成果，已對室內樂的發展發揮了舉足輕重的影響。
他與奧曼第在1960年合作錄製的這張布拉姆斯第二號鋼琴協奏曲唱片，可以被視為未被發現的瑰寶。這張錄音充份展現鋼琴家的特質 – 「質樸」。賽爾金不是炫技型的鋼琴家，而是獻身於音樂作品的鋼琴家；這並非暗示賽爾金的鋼琴技巧平庸，或只是嚴格地照譜彈奏而已。而是他能深刻洞悉在音符背後作曲家想要表達的意念，並適時地在樂句轉折之間或是強弱變化之間，給予一些空間做微妙的彈性處理；使音樂沈穩從容，細緻內斂。他的樂句處理清晰完整而富歌唱性，但不流於感傷。他對此協奏曲的掌控力十分出色，尤其彈奏第三樂章極其複雜的左右手不對稱的切分音節奏，完全游刃有餘。我認為賽爾金的音樂詮釋非常契合布拉姆斯的音樂風格，就是秉持古典時期的典雅、嚴謹但不失十九世紀浪漫主義的情懷。 布拉姆斯的這首降B大調第二號鋼琴協奏曲有交響曲般的結構，但是管弦樂法卻近似室內樂的規模。奧曼第深諳賽爾金的演奏風格，輕鬆駕馭樂團，與鋼琴有非常良好的互動，加上飽滿且富有張力的弦樂以及渾然一體的管弦樂合奏，呈現出一種厚重的音樂感。這種樂感通常在北美樂團較難聽到。此外，值得一提的是第三樂章 — 行板中的大提琴獨奏音色十分優美，這極富深刻內省的演奏與毫不嬌柔造作的鋼琴對話，呈現完美的音樂平衡。整體而言，這是一個非常精彩又深具內涵的演奏。如果你能找到片況如新的「六眼」哥倫比亞第一版，那就更幸運了。
Label: Columbia Masterworks – MS 6156
Vinyl/33 rpm/Stereo/Six-eye
Albums of the month / March
本月唱片推薦
★★★★★ Rated 5 out of 5
巴赫的大提琴無伴奏組曲，相信古典樂迷應該都不陌生。但是像這一張用低音大提琴演奏的錄音版本，大多數樂迷應該很少見過。Edgar Meyer是美國知名低音大提琴家兼作曲家，他的演奏風格相當多元，橫跨古典音樂、爵士樂及藍草音樂(Bluegrass Music)，他曾經得過七次葛萊美獎，在樂壇相當活躍。Meyer 不愧是一位技藝精湛的演奏家，他所演奏的巴赫音樂，很容易吸引你專注地傾聽，因而忽略了用低音提琴演奏此曲的難度。例如：G大調第一號組曲與C小調第五號組曲中的吉格舞曲(Gigue)，音樂不但流暢而且展現靈活的指法與把位變換。另外，在慢板的撒拉邦舞曲(Sarabande) 中，Meyer的低音提琴傳達出比大提琴更低沉渾厚的音色以及深邃內斂的情感表達。欣賞這麼優美的演奏，我完全不覺得低音提琴演奏有任何笨重的感覺。無論從欣賞或是從新穎獨特的角度來看這張錄音，都值得收藏。
LabeL: Sony Classical
CD/Stereo/Stereophile Records 2 Live 4
★★★★★ Rated 5 out of 5
這張於1968年發行的唱片，在今年終於被選入發燒唱片榜單，就是2026年Stereophile“Records 2 Live 4”的榜單；演奏曲目是郭德馬克的降E大調第一號交響曲，又名《鄉村婚禮》交響曲，此曲大概是郭德馬克唯一經常被演出的管弦樂作品。曲名雖然是交響曲，倒不如說是組曲，因為這部作品的曲式並不符合傳統交響曲的標準結構。儘管如此，仍絲毫不影響其受歡迎的程度。這首交響曲由五個樂章組成，每一個樂章都附有標題，類似白遼士的《幻想交響曲》；創作於1875年，曾受到郭德馬克的好友布拉姆斯的高度推崇，而上個世紀已故指揮家畢勤和伯恩斯坦兩位大師也鍾愛這首充滿中歐魅力、歡樂與幽默的作品。此曲充分展現郭德馬克的作曲才華，雖然它跳脫標準交響曲的型式，然而，作品的結構精巧，旋律優美動聽以及管絃樂法成熟洗練，這些都是它吸引人的特色。尤其是第一樂章結婚進行曲，它其實就是一首富有13段精妙絕倫的變奏曲；它們不僅呈現豐富的和聲、節拍、速度與調性的變化，在節奏設計方面也頗富巧思。例如在第九段的降e小調3/8拍變奏曲，伴奏聲部是三拍的節奏型態，但是小提琴與木管樂器所演奏的主旋律卻是屬於二連音的節奏語言；因此產生「二對三」的對比與張力。如此 sophisticated 創意真是令我讚嘆！難怪布拉姆斯對郭德馬克說：“That is the best thing you have done; clear-cut and faultless, it sprang into being a finished thing, like Minerva from the head of Jupiter”. (“Minerva” 通常指羅馬神話中智慧、藝術與戰爭策略的女神)。在演奏方面，伯恩斯坦對於此曲的詮釋充滿活力，他猶如一位畫家揮灑出生動活潑的管弦樂色彩，同時也巧妙地勾勒出精緻細膩的音樂表情。至於錄音方面，無論在樂器聲音質感、音場寬深、樂器定位、動態對比和空間感等方面，這張唱片絕對夠資格列為示範級的管弦樂發燒錄音。尤其是豐沛的弦樂聲部，充滿包圍感，若是和史托科夫斯基的 “Rhapsodies” 錄音相比，也毫不遜色。
Label: Columbia MS 7261
Vinyl/33 rpm/Stereo/Stereophile Records 2 Live 4
★★★★★ Rated 5 out of 5
這個錄音是罕見的英國管獨奏錄音專輯，旋律相當動聽。封面標題名為：Bel Canto(美聲唱法)，意指演奏曲目專注於18世紀到19世紀初美聲唱法時期寫給英國管的作品。獨奏者是波多黎各裔的美國English Horn演奏家 – Pedro R Díaz，他於2005年考進紐約大都會歌劇院管弦樂團直到現在。他同時也是廣受歡迎的教師，任教於美國一些頂尖音樂學院，諸如：朱莉亞音樂院、曼哈頓音樂院、伊斯曼音樂院及哈特音樂院等名校。此外，他也經常受邀至世界各地舉辦大師班。Diaz對英國管這個樂器的貢獻還不止於他的演奏與教學而已，他還熱衷於投入英國管與相關演奏曲目的研究。Donizetti這首《F大調小協奏曲》就是他多年學術研究的結晶，而重現了英國管鮮活的歷史。他在一次前往義大利貝加莫(Bergamo, Donizetti的故鄉)和波隆納(Bologna)的朝聖之旅中，意外地發現Donizetti這首《F大調小協奏曲》的原始管弦樂套譜，這是此前從未公開過的。隨後，Diaz幫助恢復這首作品最初的創作意圖，然後出版此曲的校訂版，並完成這個錄音。Diaz的演奏不但技巧精湛，而且音色優美均勻，樂句連貫流暢，突顯了「美聲唱法」的抒情風格。當我聽第一首Donizetti《F大調小協奏曲》時，就在英國管第一個樂句吹完後的瞬間，便深深吸引我的注意；我很少聽到有人可以將英國管吹得如此優美又兼具豐富的音樂性。如果把英國管比擬成人聲的話，Diaz的演奏簡直就像一位男中音在唱歌似的，這幾乎是管樂器表達Bel Canto的最高境界了！
Label: The Audiophile Society
Original Recording Format: HI-Res PCM/Stereo
Albums of the month / February
本月唱片推薦
★★★★★ Rated 5 out of 5
如果你已經有杜拉第指揮Minneapolis Symphony Orchestra (現已改名為Minnesota Orchestra)演奏科普蘭管弦樂作品的Mercury Living Presence ED 1黑膠唱片(SR 90172)，那麼，很有可能會忽略這張同樣是杜拉第指揮幾乎同樣作品的Decca早期數位錄音。因為很多人認爲數位錄音怎能跟類比錄音相比較呢？其實不然喔！首先，先簡單地介紹杜拉第(Antal Doráti, 1906-1988)，這位匈牙利裔美國籍指揮家。杜拉第早年就讀李斯特音樂院時，跟柯大宜學作曲，跟巴爾托克學鋼琴。這些學習背景，可能造就他對樂團的平衡、管弦樂色彩和節奏感具有特別敏銳的感知能力。因此，他對史特拉汶斯基、巴爾托克、科大宜以及科普蘭等人的作品演奏，總是呈現緊湊、充滿活力、音樂層次分明的特色。這樣的指揮風格加上Mercury Living Presence 生動、逼真、大動態對比的錄音特色，真可說是絕配；尤其是大鼓或定音鼓強勁的衝擊力更是吸引音響迷的耳朵！杜拉第錄製Mercury – SR 90172這張唱片時，是51歲，時隔24年，他再度錄製科普蘭的作品時已經75歲了，然而，演奏速度並沒有慢下來，仍舊活力充沛。倒是唱片公司換成Decca，錄音師是James Lock，樂團是底特律交響樂團。這兩個錄音版本有何差別？Decca的數位錄音版值得收藏嗎？我的答案是肯定的，其最主要的原因是錄音師的功力。這張Decca版的聲音呈現比較豐富的堂音，樂器的音色比較豐潤，樂團的位置比較遠，弦樂高把位的音色也比較優美。Mercury版本的聲音比較直接，細節豐富，樂團位置比較近，樂器音色較飽滿。雖然，有些評論家認爲杜拉第早期的音樂詮釋比較簡潔、理性，缺乏溫暖與感性。不過，這張1981年的錄音，杜拉第的詮釋風格已經稍微改變。例如：在SideB， “Four Dance Episodes From Rode” 中的第二樂章：Corral Nocturne與第三樂章：Saturday Night Waltz，杜拉第的處理比以前更抒情迷人。其實，無論是Mercury或是Decca版本，都各具特色，值得收藏。況且，這張Decca早期數位版的行情價算是低的，錯過了可惜。
Label: Decca
Vinyl/33 rpm/Stereo
★★★★★ Rated 5 out of 5
這張華爾頓的降b小調第一號交響曲是由RCA錄製，於1967年發行，演奏者是英國指揮家普列文指揮倫敦交響樂團。根據我搜尋的結果，這個版本應該是這個曲目首次在美國發行的唱片。英國作曲家威廉華爾頓(William Waltom, 1902-1983)是一位慢工出細活，對音樂一絲不苟的完美主義者。在他漫長的職業生涯中，作品數量並不算多；至於這首第一號交響曲，則是他的重要作品之一，同時也被視爲繼艾爾加、佛漢威廉斯之後，英國最著名的交響曲之一。此曲在1935年完整地首演之後，很快地引起在歐洲大陸的福特萬格勒與孟格堡的興趣，後來也陸續引起美國奧曼第以及賽爾的注意。從此曲可以看到華爾頓精湛熟練的管弦樂法，與嚴謹的樂曲結構和邏輯。此外，無論是管樂或是弦樂，在樂器演奏語法方面，都有充分的發揮。雖然是兩管編制的管弦樂團，但是在某些樂段，可以感覺到猶如三管編制的效果。在調性運用方面，作曲家跳脫古典時期傳統調性的框架，和聲處理手法更加自由；華爾頓並不倚賴調性關係來維繫整首交響曲的關聯性，而是以音樂情感的傳達與轉變以達到精神上貫穿樂曲的統一性。從第一樂章降B小調，即充滿悲劇性的焦慮感，經過第二樂章急促不安且無中段的詼諧曲轉變到第三樂章哀婉的行板，樂曲始終籠罩在陰鬱晦暗的氣氛中，直到第四樂章–終曲，終於呈現明朗的降B大調，第二段還出現精彩的賦格樂段與兩套定音鼓的演奏，最後以華麗的尾奏結束全曲。從這裡不難看出此曲在結構與動機發展方面受到貝多芬的影響，然而音樂曲風頗受到西貝流士的影響。在演奏方面，無論在哪一個樂章，普烈文始終保持音樂的張力，直到終曲，迸發出熱情與活力，呈現恢宏的氣勢；非常令人欽佩，他不愧是華爾頓交響曲的代言人。他總共錄製過這首交響曲兩次，第一次就是這個1967年的RCA版本，另外一次是由Telarc錄製，於1987年發行的版本(只有CD)。以演奏和錄音來說，RCA版本明顯好很多，即使指揮都是同一位。因為1960年代的倫敦交響樂團，其演奏水準非常的高，加上James Lock傑出錄音的幫襯，使得這張唱片更具藏價值。James Lock 善於捕捉錄音空間中的微弱細節，使樂團中各聲部的聲音清晰分明。不過，這首交響曲可能不太適合古典音樂入門者欣賞，但是，如果你喜歡華格納的半音階和聲處理手法，甚至著迷於理查史特勞斯或馬勒的管弦樂曲；那更應該聽聽華爾頓的第一號交響曲，它將開拓你的音樂視野。
Label: RCA
Vinyl/33 rpm/Stereo
★★★★★ Rated 4.7 out of 5
這張聖桑第三號交響曲《管風琴》的錄音時間是1982年6月，地點在加拿大蒙特婁的聖尤斯塔什教堂( St. Eustache Church)，錄音師就是James Lock。James Lock 精湛錄音技術的關鍵之一在於對錄音場所的聲學狀況具有高度敏銳的知覺。他最喜歡的錄音場所是位於倫敦的Kingsway Hall。很可惜的是，這個聞名於古典音樂錄音界的錄音場所，已於1998年拆除。在1980年初，Decca唱片公司與加拿大蒙特婁交響樂團簽訂錄音合約之後，James Lock為了給這個樂團找到合適的錄音場地，他花了近一年的時間，考察不下40個場地，最後，終於發現聖尤斯塔什教堂是最理想的錄音場所。從此，自1981年開始，杜特華指揮蒙特婁交響樂團的Decca錄音，幾乎都在這裡錄製。透過聆聽這張杜特華指揮的聖桑《管風琴》交響曲，我聽到厚實飽滿的低音弦樂，音質優美小提琴聲部。至於中提琴聲音如何呢？嗯，我這麼說好了，一般的管弦樂錄音，當弦樂整體合奏時，經常聽不到中提琴這個內聲部樂器的聲音。然而這個錄音，讓我體會到中提琴聲部在弦樂合奏中的重要性。這首交響曲非常考驗錄音師的功力，除了樂團與管風琴的平衡之外，錄音場地的殘響值也必須控制得宜。因為第一樂章中庸的快板樂段，弦樂、管樂有許多16音符，殘響如果太長，聲音會糊成一團；太短，聲音又太乾。而這個版本的殘響控制完全恰到好處，空間感也不錯。樂團中各聲部的強弱細節都清晰可聞，層次分明。例如：在第一樂章第二部分Poco Adagio樂段，第一小提琴、中提琴與大提琴三個聲部各相差一個八度同時演奏同一個主題時，聲音不但清晰可辨而且音色融合。又如：第二樂章後半段Maestoso樂段，第三部長號與低音號相差一個八度吹奏 “Dies irae”主題時，聲音渾厚飽滿，相差一個八度的音高也清晰可聞。在音場表現方面，定位清晰且音場既寬又深，雙鈸(crash cymbals)的位置在樂團的右後方，已經深到喇叭後牆， 而且超出右邊喇叭了。另外，必須一提的是這首交響曲的管風琴表現；管風琴的聲音低沉有規模感，而且可以輕易聽到低音踏板的演奏。在大音量演奏時，氣勢恢弘。至於演奏方面，法國作曲家的音樂一項是杜特華拿手的曲目，他的指揮風格優雅細緻，音樂流暢。整體來說，這張演奏錄音俱佳的唱片，非常值得收藏。
label: LOndon
Vinyl/33 rpm/Stereo
Albums of the month / January Vol. 2
本月唱片推薦
★★★★★ Rated 5 out of 5
這張德佛札克《A小調小提琴協奏曲》與拉威爾的《吉普賽狂想曲》錄音，是由德國小提琴家Edith Peinemann (1937-2023)擔任獨奏，瑞士指揮家Peter Maag指揮捷克愛樂管弦樂團。Edith Peinemann 在19歲即贏得1956年慕尼黑ARD國際音樂比賽大獎，而且曾被授予Eugène Ysaÿe 獎章，與David Oistrakh, Leonid Kogan 和 Arthur Grumiaux等大師一樣，獲得這個享有盛名的榮譽。可惜，她的事業巔峰時期只到1970年代左右，到80年代，因為投入教學工作，逐漸淡出舞台。所以時至今日，她的知名度並不高，唱片公司幫她發行的錄音也很少。甚至在她於2023年二月逝世的時候，德國及歐洲主流媒體竟然隻字未提？雖然Peinemann是一位被低估的音樂家，然而，她的音樂天賦與精湛技藝絕非等閒之輩。從當時許多著名指揮家都爭相邀請她合作演出協奏曲即可證明；例如：William Steinberg 、George Szell 等指揮大師都非常賞識她的才華。Peinemann以擅長詮釋後浪漫樂派和二十世紀當代作品聞名。這張德佛札克的《A小調小提琴協奏曲》與拉威爾的《吉普賽狂想曲》錄音，可以說是她少量錄音中，最受歡迎的一張。她的運弓無論速度快慢，都十分平穩，聲音凝聚，一聽便知具有相當深厚的功力。左手揉弦恰如其分，完全不過分矯飾。她的分句與構思清晰完整，而不是只強調演奏技巧而已。同時，我也發現Peter Maag 是一位相當優秀的協奏曲指揮，他與Peinemann合作無間，協調性非常高。例如在第三樂章3/8 拍的Allegro giocoso, ma non troppo轉換到2/4拍L’istesso tempo的地方，速度掌握得相當好，完美地呈現速度與節拍變化的對比性。Peinemann的提琴音色具有一種質樸兼具溫暖的特質，讓我更能直接聽到音樂作品的內涵。她所演奏的小提琴是一把 1732 年的 ‘ Guarneri ‘del Gesù’ ，當她演奏E弦高把位的樂句時，發出如絲綢般高貴柔美的音色，相當吸引人。錄音師是Deutsche Grammophon的台柱Günter Hermanns，他的錄音作品很少有敗筆。雖然頭版–大花板(Big tulips crown) 的二手行情不低，但是那兼具醇厚與細緻的音質，值得黑膠迷收藏。
Label: Deutsche Grammophon
Vinyl/33rpm/Stereo/Big tulips crown
★★★★★ Rated 4.6 out of 5
這是一張演奏精緻優美而且相當難得的小提琴與鋼琴的錄音，小提琴演奏是Miriam Fried (1946 ~ )，她是一位羅馬尼亞出生的以色列小提琴家。她曾獲得1968年日內瓦帕格尼尼小提琴大賽以及1971年布魯塞爾伊麗莎白皇后小提琴大賽的兩項首獎；Miriam Fried目前任教於美國新英格蘭音樂院，多年來一直被公認為世界頂尖小提琴家之一，而且以卓越的音樂造詣與教學熱忱而備受讚譽。她的演奏曾受到美國古典音樂界權威雜誌– “Musical America” 評為：「熾熱的激情與深沉的情感」。鋼琴伴奏是比利時鋼琴家Jean-Claude Vanden Eynden(1947 ~ )，他在1964年16歲時，即獲得伊麗莎白皇后鋼琴大賽第三名。本張唱片收錄的曲目全是捷克作曲家的作品，包括德佛札克、楊那傑克及史麥塔納等三首小提琴與鋼琴的作品。這三首樂曲除了德佛札克的作品外，其餘兩首雖然不是室內樂作品中的熱門曲目，但是Miriam Fried和Jean-Claude Vanden Eynden的演奏相當精彩，很有可聽性。只要仔細聆聽，你將會發現這兩位音樂家的演奏呈現出無與倫比的合作默契；無論是主題或動機銜接、強弱變化、表情符號處理、甚至音樂想法等等，都達到相當高的一致性。尤其是楊那傑克的奏鳴曲，它一向被認爲是一首演奏技巧與合奏難度高的作品。而這個錄音，小提琴與鋼琴之間親密的對話式演奏風格與細心琢磨的樂句處理，都非常具有說服力。唯一可惜的是這張LP的厚度有一點薄，可能連150克都不到，導致樂器的音質只能算是普通等級，畢竟Miriam Fried所使用的樂器是一把 1718 年的Stradivarius名琴啊！還好唱片底噪低，仍能欣賞到兩位演奏家細緻的詮釋。我個人認為，以欣賞音樂的角度來看，這張LP如同是一顆被隱藏的寶石，十分具有收藏價值。況且，目前在任何串流音樂平台都搜尋不到這個錄音，只能在二手市場碰運氣了。
Label: Fontec Records / Queen Elisabeth Competition
Vinyl/33rpm/Stereo
★★★★★ Rated 5 out of 5
Erica Morini (1904 – 1995) 是奧地利裔的美國小提琴家，她可能是最早建立起長期、高水平且享譽國際樂壇的女性小提琴家之一。在她那個年代，國際古典樂壇幾乎是男性主宰整個市場，而Morini的琴藝可以好到令海飛茲都十分欽佩，實在罕見。她二十歲的時候，已經是一位經驗豐富的演奏家。那一年，她的父親Oscar Morini為她購買了一把價值一萬美元的史特拉蒂瓦里小提琴；這把琴製作於 1727 年，並以俄國大提琴家Karl Davydov的名字命名。此後，這把琴很快就成為Morini最鍾愛的樂器，也是她演奏生涯中最珍貴的收藏。沒想到，1995年10月，Morini去世前不久，當時她人在醫院，這把名琴連同她的畫作、書信和帶有註釋的樂譜一起從她居住的紐約市公寓中被盜走。這起至今未被偵破的竊盜案件，仍名列為美國FBI 的「十大藝術品犯罪」之列 “Top Ten Art Crimes”。回到這張錄音的演奏曲目，side 1是熱門的布魯赫g小調第一號小提琴協奏曲，side 2是葛拉祖諾夫a小調小提琴協奏曲。我特別推薦 Erica Morini 演奏葛拉祖諾夫的這首協奏曲。這首協奏曲是有名的高難度協奏曲，例如：第一樂章末段準備進入第二樂章前的小提琴裝飾樂句(Cadenza)是非常具有挑戰性的樂段；這裡面大量使用Double-Stopping演奏技巧，而且是兩聲部的對位旋律。演奏者除了須盡力保持兩個對位主題的清晰完整性之外，還要掌握速度與節奏的穩定和準確。接著在32分音符樂句中出現許多令人生畏的臨時記號，演奏者要十分有把握的掌握其音準的一致性，實屬不易。此外，葛拉祖諾夫的管弦樂法也相當精彩，它有點不同於其他主流協奏曲的色彩，例如：第一樂章中提琴與第二部低音管演奏相同樂句時所融合出的音色，還有第二樂章小提琴的自然泛音與三角鐵的音色融合等。Erica Morini游刃有餘的精湛技藝加上指揮Ferenc Fricsay注重細節的讀譜功力，將此曲的神采和氣勢表現得淋瀝盡致。非常值得收藏。
Label: Deutsche Grammophon
Vinyl/33rpm/Stereo
Albums of the month / January Vol. 1
本月唱片推薦
★★★★★ Rated 5 out of 5
這張1982年在英國倫敦皇家節慶音樂廳，由鋼琴家米開蘭基里與傑利畢達克合作的傳奇錄音，如今終於發行唱片，可說是個奇蹟，也是廣大樂迷們的福音。因為不知何故，當年竟然只發行錄影帶而已 (現在可以在YouTube上看到)。沒想到事隔四十年，這個幾乎被遺忘的原始類比母帶竟然在BBC的檔案室裡被意外的發現！讓當年這場充滿傳奇且具有歷史意義的現場音樂會錄音重現於世。眾所周知，米開蘭基里是一位極度要求演出品質的音樂家；他有可能因為隨身攜帶的鋼琴無法展現他心中所想要描繪的音樂色彩而臨時取消演出；即便在音樂會前最後一刻也毫不猶豫地做此決定。另外，談到著名指揮家傑利畢達克，他一向強烈反對任何形式的錄音。他認為「音樂是時間的藝術」；在他看來，麥克風雖可收錄很多聲音細節，卻無法捕捉到所有豐富的和聲；更無法讓音響重播系統前的聽眾理解他根據演出場所的聲學條件與演奏當下所選擇速度的用意。我認為，他的觀點對於具有豐富演出經驗的音樂家與資深的concertgoers來說，一定能深深體會。這兩位二十世紀的音樂界傳奇人物自60年代末以來所建立的互信和默契，以及他們對音樂的極致追求與深刻理解，都在這張唱片裡展露無遺；加上優秀的錄音和刻片品質，這絕對是唱片收藏家不可錯過的珍品！
Label: THE LOST RECORDINGS
180g LP/45 rpm/Stereo/ Limited Edition, Numbered
★★★★★ Rated 4.3 out of 5
這張稀有的錄音，展現布蘭德爾對李斯特鋼琴作品的詮釋精髓。他以詮釋貝多芬、舒伯特與李斯特的鋼琴作品聞名。他在VOX 唱片公司所灌錄的貝多芬鋼琴作品全集贏得1965年的法國唱片大獎 (Grand Prix du Disque)。這張由美國Turnabout唱片公司發行的黑膠唱片，其錄音時間是1969年，地點在維也納音樂協會的金色大廳。指揮是德國著名指揮家Michael Gielen。收錄曲目分別是Side A:《流浪者幻想曲》，這首是李斯特改編自舒伯特的鋼琴作品– “Wanderer Fantasy, D. 760”，李斯特將它改編成鋼琴與管弦樂團的協奏曲。Side B 第一首是 “Totentanz” 《死之舞》 “Totentanz For Piano And Orchestra”，這是大家所熟悉的李斯特兩首鋼琴協奏曲之外的另一首鋼琴與管弦樂團作品。第二首是 “Czardas Macabre” 《死神查爾達斯舞曲》。李斯特與舒曼一樣都非常欣賞舒伯特的音樂才華，而李斯特更是舒伯特的忠實仰慕者。他改編許多舒伯特的藝術歌曲與鋼琴作品，並在他自己的巡迴音樂會上將這些作品介紹給廣泛的聽眾，大大地提升舒伯特的知名度。因為在十九世紀初，舒伯特的知名度很低，他的作品鮮為人知。布蘭德爾所演奏的這首《流浪者幻想曲》，既保留舒伯特音樂的抒情性，同時也展現李斯特作品該有的精湛琴藝。錄音曲目中唯一的一首鋼琴獨奏是“Czardas Macabre”，這是李斯特於1882年至1883年之間在威尼斯所譜寫的作品，剛好就在華格納於1883年二月在威尼斯去世之前不久之際。其靈感可能來自他目睹葬禮隊伍莊嚴肅穆的景象。嚴格說來，李斯特的這首 “Czardas Macabre” 並不算是真正的查爾達斯舞曲。一般的查爾達斯舞曲特點是具有不同的速度變化；通常從慢的速度(lassú)開始，最後以非常快的速度(friss)結束。然而，李斯特的《死神查爾達斯舞曲》卻是快板開始，然後一路到底，而且大膽使用平行八度、平行五度與不協和音程。此張唱片的錄音效果不錯，錄音師透過麥克風捕捉到維也納金色大廳良好的殘響與空間感。可惜的是，Turnabout的壓片品質不是很好，減損了這張優秀演奏錄音的價值。
Label: Turnabout
Vinyl/33 rpm/Stereo
★★★★★ Rated 4.7 out of 5
這張是波里尼於1960年4月在倫敦Abbey Road錄音室的錄音，當年波里尼才18歲，就在錄音前一個多月，波里尼剛贏得第六屆蕭邦國際鋼琴大賽第一名。然而，他並沒有像一般的大賽得獎者，開始穿梭於全世界各地的音樂廳之間，忙碌於頻繁的音樂會。而是取消演出邀約將近一年半的時間。對於一位剛獲得大獎的明日之星而言，一年半算是有一點久。也許大家不禁好奇著問，此刻有什麼比演出更重要的事呢？原來，他跑到義大利Bolzano去跟米開蘭基里拜師學琴，他在那裡待了將近半年的時間。米開蘭基里針對波里尼的程度精挑細選曲目並嚴格要求，例如運用更有效的指法處理困難的樂句。並且，波里尼從中獲得了如何掌握「精準技巧」和「情感克制」之間的平衡。他這種謙虛好學的精神實在令人敬佩。這個錄音可以聽到波里尼無與倫比的音樂天份與精湛琴藝。第一樂章那種如行雲流水般的快速音群，以及清晰澄澈的音色，相當出色。第二樂章，豐富的歌唱性與細膩而富詩意的樂句處理，實在美極了。我一點也不驚訝這張唱片早已經是眾多「蕭邦第一號鋼琴協奏曲」錄音中的名盤。如果你手上有這張唱片的EMI ED1(白金標—Gold-Cream label)，那要恭喜你了。因為這張ED1 頭版的價錢已漲到英鎊一百多元。我只收到Hi-Q Records的復刻版，價錢只有美金$40。不過，它是使用原始類比母帶，在Abbey Road錄音室進行刻片，復刻品質不錯。當我用洗唱片機清洗過後，音質及透明度也明顯提升一些。因此我大力推薦這個復刻版。
Label: Hi-Q Records/ EMI
180g LP/33 rpm/Stereo